Cineahora

¡ Nace una nueva web de cine: Cinempatía !

2007-10-01T00:00:00.005+02:00

¡Al fin se ha hecho realidad! A partir de hoy lunes día 1 de octubre estaré en Cinempatía, una revista digital de cine sin ánimo de lucro, juntamente con un variado y numeroso grupo de blogueros.

Noticias, críticas, reportajes, bandas sonoras, DVD's, teleseries, y mucho más en este proyecto que se venía gestando desde enero de este año.

La dedicación que le debo a Cinempatía, así como el hecho que a finales de junio me surgiera (inesperadamente) otro proyecto relacionado con el cine, hará también que no le pueda dedicar el necesario tiempo a este blog.

Ello significa, no que el blog de Cineahora quede cerrado, sino que cambiará muchísimo sus contenidos, más breves y enlazando con lo que publique en Cinempatía.

Y aquí está el enlace de esta nueva revista digital que, justamente ahora, empieza a dar sus primeros pasos:

Sí. será el inicio de una gran amistad. ¡Seguro! Pero ¡Por favor, Humphrey, si haces los honores!

O.K.

www.cinempatia.com

¡ Gracias Reser !

2007-09-26T03:40:00.000+02:00

Permítanme que enmiende no un olvido, sino una omisión que hice en mi blog, más por humildad y discreción que otra cosa, no crean.

Y es que como parece temporada de premios, mi compañera en Cinempatía Reservoir Blog me eligió como uno de sus siete blogs predilectos (¡que bien suena ésto!) en un juego de esos tipo "rollo cadena".

Una cadena que no seguiré, pero sí deseaba agradecerle a Reservoir blog ese detallazo. Además, ella puso como título al premio "Es usted el hombre más guapo que he visto en mi vida... lo cual no dice mucho en mi favor".

Y no sonrían maliciosamente, es sólo un título irónico marca de la casa, y no va, evidentemente, por mí (ni siquiera ha visto una fotografía mía, de lo contrario quitaría enseguida la parte que sigue a los puntos suspensivos).

A ver si además Reservoir blog se decide a volver a deleitarnos con sus crónicas y comentarios de cine por la blogosfera, aunque la noto también muy liada últimamente. Y de películas, nada de nada, según declaraciones exclusivas en su blog, últimamente sólo ve teleseries.

Bueno, así que recojo también gustosamente este "premio", al igual que el de más abajo, el de blog solidario... pero... aunque... sin embargo... pensándolo bien...

¡Estos premios me llegan cuando menos estoy posteando en mi blog! ¿Significará algo? ¿El bog de Cineahora gana cuando no publico mis críticas de pelis o bandas sonoras?

Pensaré en ello detenidamente. Y mientras, me temo que mi próximo post... tampoco estará dedicado ni a una película ni a una banda sonora.

Premio solidario

2007-09-23T11:52:00.000+02:00

No sabía que era época de premios, sino me habría vestido con mis mejores galas. Uno piensa en los Oscar, en los Globos de Oro, en la Concha de Oro, la Palma de Oro o la Copa Volpi, pero en cine hay más premios importantísimos.

Como éste, el Premio al Blog Solidario que si puedo lucir en las vitrinas o, mejor dicho, en la barra lateral de la derecha, es gracias a los compañeros de La linterna mágica, Alicia y Marcbranches (o viceversa).

Pero lo que más gratificante se hace es que este galardón me haya sido concedido (¡qué bien suena!) por un par de sujetos como los de La linterna mágica.

Y no es para hacerles la rosca gratuitamente. Pero si queréis leer comentarios sobre clásicos de ayer y de hoy, sobre todo de clásicos de los noventa y ochenta, encontraréis en su blog críticas de entre las más ingeniosas y originales de la blogosfera. De los que poseen un estilo propio e inimitable.

Y, entre las reglas del premio, también me toca por mi parte repartir este Premios Solidario a un mínimo de 7 blogs más.

Por razones personales (¡y es que algo se acerca!), prefiero no citar a unos pocos blogs. Mi lista incluiría más de una veintena. Así que:

- Premio al Blog más solidario a todos los integrantes de Cinempatía (ahí hay más de siete).

- Habría más (incluso a algunos ya se lo ha concedido otros bloggers), pero para no extenderme, y seguir con la cadena, añadiré también a Otros Clásicos, de Budokan, por su incansable y activa labor en la blogosfera.

Y reproduzco las bases del premio:

1.- Escribir un post mostrando el PREMIO y citar el nombre del blog que te lo regala y enlazarlo al post que te nombra (de esta manera se podrá seguir la cadena).

2.- Elegir un mínimo de 7 blogs que creas que se han destacado alguna vez por ayudar, apoyar y compartir. Poner sus nombres y los enlaces a ellos (avisarles).

3.- Opcional. Exhibir el PREMIO con orgullo en tu blog haciendo enlace al post que escribes sobre él y lo otorgas a otros.

Sesiones dobles: Ingmar Bergman

2007-09-18T23:42:00.000+02:00

Título español: El septimo sello
Título inglés: The seventh seal
Título original: Sjunde Inseglet, Det
Director: Ingmar Bergman
Guionista: Ingmar Bergman
Año: 1957
País: Suecia
Idioma orginal: Sueco

Título español: Fresas Salvajes
Título inglés: Wild strawberries
Título original: Smultronstället
Director: Ingmar Bergman
Guionista: Ingmar Bergman
Año: 1957
País: Suecia
Idioma original: Sueco

Para todos aquellos que deseen participar, o sólo comentar, el blog Sesiones dobles, de Jazzman, vuelve con la iniciativa de visionar dos películas y luego publicar un post.

En esta ocasión, y también como tributo al recientemente fallecido maestro Bergman (¡éste va a parecer pronto un blog de necrológicas como no cambie pronto de tema!), los títulos elegidos son: "Fresas salvajes" y "El séptimo sello".

Así de fácil.

Sobre los plazos de visionado y fechas de publicación, aquí tenéis los detalles:

Fechas de visionado: 17 de Septiembre al 31 de Octubre de 2.007
Fechas de publicación posts: 1 al 15 de Noviembre de 2.007
Blogs participantes (provisional):

Emilio Ruiz del Río: un mago de los efectos visuales

2007-09-17T01:22:00.000+02:00

No sólo de grandes estrellas se nutre el cine. También hay hábiles técnicos que, trabajando en la sombra, logran aportar su don para hacer más memorable una película.

Es el caso de Emilio Ruiz del Río. De profesión: director artístico y especialista en efectos visuales.

Ha ganado 3 goyas por Acción mutante (1992), Nadie conoce a nadie (1999) y El laberinto del fauno (2007).

Ha trabajado con directores de la talla de George Cukor, Nicholas Ray, Stanley Kubrick, Luis Buñuel, Orson Welles O David Lean.

También con algunos de los mejores directores del cine español más clásico, como Florián Rey o Rafael Gil.

Ha participado en películas como 55 días en Pekín, Lawrence de Arabia, Dr. Zhivago, Espartaco. Mr. Arkadin o Rey de reyes.

Sus trabajos más recientes: Teresa: el cuerpo de cristo, de Ray Lorigan; y Luz de domingo, lo nuevo de José Luis Garci.

Y que también serán los últimos.

Emilio Ruiz del Río falleció ayer domingo, a los 84 años, de una insuficiencia respiratoria en un hospital de Madrid.

Toda una institución, y el más sentido homenaje de Cineahora.

UNAS SEMANAS DE DESCANSO EN EL BLOG

2007-08-25T03:40:00.000+02:00

Diversos compromisos laborables, seguidos de una semana de vacaciones en septiembre, y de la pronta renovación de contenidos de este blog, hacen que me tome unos días de descanso por aquí.

El lunes 17 de septiembre, puntualmente, volveré a retomar la actividad en este espacio.

Mientras, ¡ cuídense y sigan disfrutando del cine !

Crítica: Sympathy for Lady Vengeance

2007-08-20T00:40:00.002+02:00

Nunca acostumbro a valorar una película sólo por lo "entretenida" que me ha resultado viéndola. De hecho, hay películas que me han gustado muchísimo, e incluso que califico de obra maestra, y durante su visión, lo cierto es que más de un pasaje me resultó de lo más pesado (y cuando pienso en ello, siempre me viene a la memoria “Los comulgantes” de Bergman).

Y valga esta introducción para referirme al cierre de esa trilogía de la venganza del surcoreano Park Chan-Wook, uno de los cineastas más imaginativos y sorprendentes de los últimos años, que lleva como título “Sympathy fo Lady Vengeance”.

La vi hará casi dos años en Sitges, y me resultó de lo más plomiza. Un auténtico collage jugando con el montaje y el argumento, y que requiere la participación del espectador para ir uniendo la piezas.

Ojo por ojo

Pero me resultó insatisfactoria. Y eso reconociendo sus méritos, que los tiene, como esa reflexión en torno al dulce o amargo sabor que puede dejar la venganza; el contemplar un acto de venganza como una penitencia o la aplicación de la Ley del Talión del “ojo por ojo, diente por diente” como forma de justicia más convincente (sobre todo cuando lo “legal” no puede, o quiere, impartir esa justicia), dejando una notable sensación de desazón en el espectador, poniendo a prueba las convicciones éticas y morales de cada uno.
Sé que los más críticos la han acusado de ser una obra, pese a todo, demasiado hueca. Y a esta linea me inscribo. Dos horas para lo que cuenta, y como lo cuenta, son a todas luces excesivas. Chan-Wook se relame en sus imágenes, les añade una sobredosis de afectación y, especialmente, alarga y reitera demasiado su argumento, hiriendo gravemente a la película.

Plasticidad visual

Sin embargo, y con los matices temáticos y argumentales expuestos, “Sympathy for Lady Vengeance” se erige como la película más perfecta, más trabajada, del autor de “Oldboy” a nivel formal y visual.

Más allá de lo que trata, se convierte en un puro ejercicio formal donde el tratamiento del color, la fotografía o el montaje quedan como su auténtica razón de ser. Elaboradísimos movimientos de cámara; abundancia de travellings laterales y frontales; o los tonos blancos en contraste con los negros y rojos, resaltando esa cara y cruz de la protagonista, Lee Geum-ja (Lee yeong-ae), bondadosa y angelical por un lado, violenta e implacable, por el otro.
Su plasticidad visual es apabullante, y la escena que más recuerdo es la de Geum-ja leyéndole una (supuesta) carta a su hija, en un cara a cara ficticio. Pero todo esto no impide que su forma se sitúe en franco desequilibrio con su contenido.

Valoración: ( ** )

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película,
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

Crítica: Ratatouille

2007-08-15T12:42:00.000+02:00

A estas alturas, la Pixar no es precisamente una productora humilde y desconocida.
Al igual que los grandes estudios, también prepara minuciosamente sus blockbusters veraniegos o de la temporada. Grandes inversiones, planificados esfuerzos en la realización de los proyectos y enormes campañas de promoción . Nada que envidiar a otros, más bien al contrario, muchos son los que deben aprender y medirse con ella.
Y sin embargo, tiene la decencia (también gracias a este genio llamado Brad Bird) de ofrecer un producto, no por comercial y publicitado, que deje de resultar inteligente, imaginativo y cinematográficamente, muy bien hecho.
No como toda la ristra de blockbusters que he padecido durante las últimas semanas. Y eso va tanto por los que he visto como por los que me he negado a ver. Películas que confundían la aparatosidad o el ir acumulando efectos con ingenio o diversión asegurada. Que por el hecho, la mayoría, de ser secuelas de títulos populares anteriores creían que tenían por lo menos la mital del terreno ganado. O cuya mediocridad se incrementaba aún más cuando intentaban ofrecer algun viso de originalidad entre sus imágenes.

Finas ironías.

‘Ratatouille’ también es un blockbuster con todas las de la ley; un gigante que requiere ingresar en taquilla fabulosas cantidades de dinero para amortizar sus costes y asegurar la continuidad de futuros proyectos del estudio. Y no por ello es un guiso que de gato por liebre, sinó capaz de alimentar con solidez tanto a pequeños como a grandes.
Algunos de sus mejores ejempos están entre sus ironías argumentales. Una de ellas es la de presentarnos a una rata, Remy, habitante de las cloacas (animal que se asocia con la comida más putrefacta), y por cierto, un personaje nada cargante, como chef culinario de un exquisito restaurante, en horas bajas, de París.
Otra es la de atreverse a reñir, amistosamente y con el aplauso de los aludidos, a los críticos en un ejercicio final, a través del siniestro Anton Ego (crítico gastronómico y, por extensión, también cinematográfico o artístico), y su reflexión sobre la profesión de vilipendiador de restaurantes (que también podría ser el de películas). Y lo hace con mayor fortuna que el genio de Shyamalan donde en la (excelente) ‘La joven del agua’ también osaba introducir como personaje desagradable a un crítico de cine, en una ocurrencia que no sentó nada bien, sobre todo, a los cronistas especializados de EE.UU.

Elogio al respeto.

Y queda el disfrutar también de un Anton Ego que, en una escena prodigiosa, hallará su particular Rosebud en ese guisado en forma de Ratatouille, típico de la campiña francesa.
O de las sabias dosis de comedia que rememoran a los clásicos, con malentendidos, paranoias o esos torpes movimientos de Linguini, el chico de la basura aspirante, gracias a la mediación de Remy, a erigirse como nuevo rey de la cocina parisiense. Y un Linguini que recuerda a un Jerry Lewis o Peter Sellers en su mejor momento.
Y, como diría Gusteau, otro de los personajes del film, “cualquiera puede cocinar”. Una frase que, en el contexto de ‘Ratatouille’ lleva su sentido más allá, convirtiendo el film en un magistral elogio a favor del respeto entre razas, culturas o cualquiera que nos parezca ‘diferente’.
Una palabras que nos dicen que el talento puede proceder de una persona de cualquier parte o condición. En este caso llega de un estudio adinerado y poderoso, que ha logrado estar a la altura. Gracias Brad Bird, y Pixar, por recordarnos que el talento aún existe entre lo llamado comercial.

Valoración: ( ***** )

B.S.O.: Ratatouille, C'est magnifique !

2007-08-09T12:39:00.000+02:00

B.S.O. de "Ratatouille" (2007) de Michael Giacchino

El californiano Michael Giacchino está destacando poderosamente en las partituras para películas de animación. Su score para “Los increíbles” fue toda una extraordinaria sorpresa.
También figuran en su currículum las músicas para la teleserie “Perdidos” o sus instrumentalizaciones para “Misión: Imposible III”.
Como muestra de sus sobradas dotes como maestro ‘chef’ en el guiso de las bandas sonoras, para “Ratatouille” ha mezclado ingredientes como magníficas orquestaciones, variantes jazzísticas, empleo de las cuerdas, la guitarra, el saxo y, como no, del acordeón, con todas sus reminiscencias parisienses. En un tono suave, evocador y romántico, les propongo escuchar su Tema Principal. No hace falta decirles que es una salsa idonea para acompañar las imágenes del film. C’est magnifique! (2’09”)

( Para escucharlo pulse en el enlace del tema o busque en la columna de la derecha )

Wowww ! Un póster que me encanta !

2007-08-07T12:00:00.000+02:00

Un diseño futurista pero con un sabor entrañable a pasado, a años cincuenta. Es el cartel de Wall-E, la nueva película animada de la factoría Pixar/Disney Andrew Stanton, uno de los responsables de "Buscando a Nemo".

Su estreno está previsto, en los EE.UU., para el 27 de junio del año próximo. Su protagonista es un pequeño robot, el último de una especie creada con la poca (sofisdicada) misión de hacer de basureros del planeta Tierra. Y éste Wall-E que descubrirá a una robot fémina para que Cupido haga flechazo en él de manera instantanea.
Además, los creadores del film pretenden que el diseño de producción nos deje con la boca abierta. Promete.

Excesos poéticos

2007-08-03T11:26:00.000+02:00

"El camino de los ingleses" (Antonio Banderas, 2006) - DVD

Estoy acostumbrado a ver a Antonio Banderas como si fuera un actor simpático que además ha logrado hacerse con un hueco en Hollywood. Un personaje que ha bebido las mieles del éxito sin que la borrachera se le suba a la cabeza, combinando su condición de estrella mediática con el ‘savoir fair’ de la discreción y elegancia en lo personal y en el contacto con la opinión pública.
Y también a alguien que al igual se enfunda el traje de El Zorro, como se codea con Brad Pitt y Tom Cruise, o le pone la voz original al gato con botas de Shrek. Por ello me resulta difícil, en un cambio drástico de óptica, contemplarle como un cineasta tras las cámaras, personal y libre, apuntando con su visor a otros actores, intentando plasmar los sentimientos con sus luces y sombras; labrándose el ‘status’ de autor en la creación y narración en imágenes.
En “El camino de los ingleses”, por ejemplo, la inspiración y la mediocridad; el deseo y la frustación; el amor y el sexo; el placer y el dolor; la cara y la cruz, tienen forma de bailarina (María Ruíz), el objeto preciado que simboliza los sueños para el protagonista, Miguelito Dávila (Alberto Amarilla), un joven con alma de poeta al que le han extraído un riñón.
Y Banderas, juntamente con otros dos Antonios, y también malagueños, como son Antonio Soler (autor de la premiada novela, y el guíón), y Antonio Meliveo (compositor de la banda sonora); además de Xavi Giménez en labores de director de fotografía, nos submergen en las historias de varios amigos, en la Málaga de a finales de los setenta, para contarnos lo que se nos ha contado muchas veces, un relato de aprendizaje, de iniciación a la madurez, de primeros contactos con el desengaño e incluso la muerte, en definitiva, de sueños truncados. Pero dándole una forma totalmente distinta.

Hiperbólico e intimista, un Banderas a contracorriente explora la relación, y los límites, de la poesía aplicada al cine, recurriendo tanto a las imágenes como a las palabras. No para mi gusto con resultados del todo satisfactorios, pero sí construyendo algunas escenas y planos bellísimos, como la secuencia que abre la película. Y de paso, obligándome a replantearme esa imagen de Banderas, ataviado con el antifaz del zorro, cantando al lado de Madonna, haciendo de Mariachi o dejándose ver entre un reparto plagado de estrellas.
Y hay películas fallidas que merecen verse. Porque pueden esconder sorpresas fascinantes o servirnos de ilustración y referente sobre lo que no debe hacerse. Y el segundo film de Antonio Banderas contiene estos dos elementos. El exceso de poética visual lo pierde, y lo gana; llena de contenido su obra y lo vacía; cansa por momentos y deslumbra en otros.

Valoración: ( ** )

B.S.O. compuesta por Antonio Meliveo.

Malagueño como Banderas, Antonio Meliveo ha sido el autor de bandas sonoras como “Solas”, “Fugitivas” o “Los novios búlgaros”. En “El camino de los ingleses” ha querido acompañar ese mundo interior de ensoñaciones, sentimientos y aprendizaje de los jóvenes protagonistas, y contribuir a la poesía que desprenden sus imágenes.

Como uno de los temas més destacables está “Divina comedia”, reflejo de esa pasión del joven poeta Miguelito Dávila por el clásico de Dante Aligheri, un libro que descubrió durante su estancia en el hospital gracias a su compañero de habitación. La instrumentalización del corte “Divina comedia” es suave y cargada de un lirismo evocador que va empañando lentamente las imágenes. (2’ 59”)

( Para escuchar busque en la columna de la derecha o pulse el tema con el enlace )

Michelangelo Antonioni ha fallecido

2007-07-31T12:00:00.000+02:00

Michelangelo Antonioni (29 de septiembre de 1912 - 30 de julio de 2007)

Maestro de la incomunicación, y de otras soledades y misterios humanos. Siempre nos quedarán "El eclipse", "La noche", "L'Aventura", "El desierto rojo", "Blow up", "Zabriskie Point"...

Bergman Inmortal

2007-07-30T14:10:00.001+02:00

Ingmar Bergman (14 de julio de 1918 - 30 de julio de 2007)

No es un adiós. Es un ¡Hasta siempre, maestro!

Tomándose el nombre de Philip K. Dick en vano

2007-07-29T12:42:00.000+02:00

"Next" de Lee Tamahori (2006)

Cris Johnson (Nicolas Cage) es un hombre que posee un extraño poder: el de ver el (posible) futuro con dos minutos de antelación. Pero lejos de ser una cualidad que le haga significativo o feliz, Cris es el prototipo de persona maldecida por el don que posee. Vive en soledad, apartado de la gente y contando con un único amigo, un viejo mecánico (Peter Falk), mientras se gana la vida con un pobre espéctaculo de magia en Las Vegas.
Se inspira, muy vagamente, en el relato “El hombre dorado” que esribiera Philip K. Dick. La idea estaba abierta a desarrollar múltiples variaciones y temáticas, sin necesidad que fueran recargadas ni pesadas, pero con visos filosóficos, existenciales o humanos de lo más interesantes. E incluso ofrecía su juego para una buena intriga. Nada de eso hay en “Next”, del mismo modo que no hay ni rastro del espíritu de Philip K. Dick en ninguna imagen de la película.
A la postre, lo más sorprendente de todo acaba siendo como el, en otros tiempos, prometedor realizador neozelandés Lee Tamahori, y un reparto atractivo compuesto por Nicolas Cage, Jessica Biel y Julianne Moore haya dado como resultado uno de los productos más rutinarios, tópicos y menos estimulantes en el género de acción o fantástico de los últimos tiempos.

Un débil hilo argumental que se construye a base de una historia romántica, y también de un complot terrorista (no se sabe porque o con que razones: sólo que la idea de la amenaza terrorista queda bien, porque "está de actualidad"); y que da píe a introducir algunas de las secuencias de acción más inútiles e innecesarias, por su relación con el guión, que se puedan imaginar. En ellas, la cuestión es, por ejemplo, que Cris Johnson termine escapando de sus perseguidores (¡ sean amigos o enemigos !) de la manera más aparatosa posible, sea en un automóvil de lujo robado o ladera abajo perseguido por el FBI y un alud de troncos y piedras (casi, casi, un exquisito homenaje a “Siete ocasiones” de Buster Keaton).
Lo único salvable son una escenas con Nicolas cage desdoblándose en múltiples “yo” que representan lo que ocurrirá en pocos segundos y lograr así sobrevivir a un enfrentamiento contra los villanos. Momentos que harían la delicia de un Jack Sparrow perdido en el fin del mundo; pero que por lo demás no hacen sinó demostrar lo esteril e inverosimil de su propuesta.

Valoración: (●)

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película,
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

Cabalgando con el Diablo

2007-07-27T00:45:00.000+02:00

"El motorista fantasma" (Ghost rider, 2007)

Hay videojuegos que inspiran a películas, y muchas películas que son la base para lanzar un nuevo videojuego. En el caso que nos ocupa, los dos soportes se fusionan y cuando empiezan los efectos visuales se hace difícil saber donde termina al película y empieza el videojuego.
Mark Steven Johnson, que ya probó fortuna en el terreno de los superhéroes con “Daredevil”, firma la dirección y el guión exhibiendo (porque el talento no da para más) su condición de producto intrascendente destinado a quemarse de la misma forma en que arde el atribulado motorista protagonista.
Para que este castillo de fuegos artificales quede resultón, las tracas se componenen de los más variados géneros: western, terror, romanticismo o pura serie Z.
El hecho que el protagonista cabalgue encima de una moto da píe a introducir paralelismos con el western (e incluir a Sam Elliott en un personaje a su medida). Los elementos románticos justifican la presencia vacía de una pareja (Eva Mendes) que quede bien en pantalla. Como Johnny Blaze se vio obligado a pactar con Mefistófeles, sirve de excusa perfecta para meter demonios y espíritus en plan John Carpenter; y su falta de pretensiones, y sobre todo despropósitos, argumentales y artísticos, la catalogan de lleno en los productos más infumables.

Buscando su destino, se recurre a la presencia del mítico Peter Fonda, interpretando a Mefistófeles, y haciendo de paso un guiño a “Easy rider”. Mientras que Nicolas Cage ve cumplido su sueño de encarnar a un superhéroe de acción, aunque sea a base de mucho peluquín y posturitas molonas a lo Elvis Presley.
Y esa relación entre cine y videojuegos queda perfectamente ilustrada en la secuencia donde el motorista fantasma y Caretaker (Sam Elliott) galopan juntos de noche y en el desierto. Añadir aquí un detalle, que me resultó de lo más divertido: el paso de Johnny Blaze, y su incendiario vehículo, provoca la rápida combustión de un lagarto que se encontraba tranquilamente aposentado por allí (!).

Valoración: ( * )

Comida basura, sociedad basura

2007-07-24T11:42:00.000+02:00

"Fast food nation" (Richard Linklater, 2006)

Consumir rápido. Morir tranquilo. Y es que no hay nada como cerrar los ojos ante los problemas que nos rodean. Cuestión de impotencia, o de supervivencia. Gus Van Sant ya recurrió a el título de “Elephant” para hacer referencia a un gran problema, que como un elefante instalado en el salón de nuestra casa, lo vemos, sabemos que está allí pero preferimos ignorarlo en lugar de buscar soluciones.
Y Richard Linklater (“A scanner darkly”) le da otro mazazo al llamado “sueño americano”, que de paso también nos salpica a todos.
Basándose en la novela de Eric Schlosser, que él mismo ha adaptado junto a Linklater, muestra la trastienda de las cadenas de comida rápida, representadas en el nombre de “Mickey's” y su fabulosa hamburguesa “Big one”, para trasladarnos hasta el matadero. El de miles, millones de cabezas de ganado vacuno sacrificados y manufacturados a toda pastilla para satisfacer la demanda consumista. Pero también el de miles, millones de seres humanos que deberán sacrificar sus deseos y esperanzas, malviviendo en precarias condiciones laborables; o renunciando a sus idealismos.
La trama cruza historias paralelas, sobre todo el de un grupo de inmigrantes mejicanos (representado por las hermanas que interpretan Catalina Sandino Moreno y Ana Claudia Talancón), símbolo de esa mano de obra barata, para fabricar comida barata y ser engullida de manera tan barata como rápida. Comida basura como un síntoma más, no el único, de una sociedad mecanizada, donde no importan las personas, sinó los beneficios el negocio económico.

No es la película de Linklater un prodigio de narración cinematográfica. Su ritmo se demora, incluso se detiene en escenas y personajes prescindibles o de desigual interés. Y su discurso, sin soluciones, resulta a la par tan inútil como ese intento de rebelarse contra el sistema que iniciarán un grupo de jóvenes idealistas por liberar a las miles de vacas hacinadas y esperando su hora.
Pero, más allá de su denuncia, hay poderosas razones para verla. Unos inolvidables planos de presuntamente impolutas hamburguesas saliendo de la cadena de fabricación, a punto para empaquetarlas, distribuirlas y servirlas. O el rostro final de Catalina Sandino Moreno, aceptando con horror su nuevo puesto de trabajo.
Así como una impagable escena entre Greg Kinnear y un Bruce Willis, presencia breve y contundente, hablando de los posibles trapicheos de la compañía encargada de elaborar las hamburguesas. Con predominio de la, en el fondo, práctica ración de cinismo y mala uva de la intervención del personaje de Willis, y su consejo que “Sólo hay que asarla. Es lo único que hay que hacer. Asa la carne y no te pasará nada”.
Así es, menos miramientos, paranoias y delicadezas, cuando el posible problema de la carne contaminada con mierda tiene una solución tan simple como rápida. Otra cosa es que ello sea un símbolo más del egoismo y la progresiva deshumanización de las sociedades. Pero para evitar dolores de cabeza, pidamos otra hamburguesa, que sea barata, grande y esté bien asada; que el mundo ya se arreglará solo, tal vez mañana.

Valoración: ( *** )

Que le pone nervioso a ... Rocco Siffredi

2007-07-21T20:31:00.000+02:00

Rocco Siffredi viendo una de Woody Allen.

Declaraciones de Siffredi: “¡Venga! ¡Vamos! ¡Dále! Aquí mucho hablar, mucho darle al pico, pero… nada de nada. ¡Venga, esa, esa… la rubia! ¡ !Qué no se escape!”.

Que le pone nervioso a ... Michael Bay

2007-07-21T15:59:00.001+02:00

Iré poniendo a prueba a diferentes directores, actores y actrices fente a otros cineastas y homólogos, para comprobar sus reacciones.
Para empezar, tenemos al director de “Transformers”, “Pearl Harbor” o “Armageddon”.

Michael Bay viendo una de Andrei Tartovski (y célebre por sus largos planos-secuencia y mantener los fotogramas fijos durantes segundos, minutos…)

Declaraciones de Bay: “¡Será bruto! Éste ruso se ha quedado dormido mientras rodaba”.

(Próximamente, Rocco Siffredi)

Asustando al personal

2007-07-18T11:14:00.000+02:00

"Escalofrío" (The tingler, 1959)

Vincent Price, un rostro y todo un icono que, con su sola presencia, ya justifica la visión de una película. Y antes que el terror de serie B y adolescente se convirtiera en sinónimo de tripas y sangre, hubo otro tipo que se inventó varias estratagemas para atraer el público, preferentemente joven, a ver sus obras, hechas como no, con cuatro centavos.
Rodeado de una cierta ingenuidad fascinante, y recordando que el cine había nacido como espéctaculo de feria, el avispado William Castle, director y productor, quedó marcado cuando en compañía de Robb White, que se convertiría también en su guionista habitual, vio “Las diabólicas” de Henri Clouzot (1955).
Ni corto ni perezoso, decidió que los sustos e impresiones debían ser algo más físicos para el espectador, y se inventó los gimmicks, o trucos publicitarios, con los que asustar convenientemente al personal. El primero más sonado fue en “Macabro” (1958), donde se les ofrecía a los “valientes” que se atrevían a verla una póliza de vida de 1.000 dólares por si les ocurría algo durante la proyección. Quedaban exentos los enfermos del corazón.

En “House on the hounted hill” (1959) se sacó de la manga, y tirando de varios hilos, el Emergo, un esqueleto que revoloteaba por encima de las plateas. En “13 ghosts” (1960), el Illusio-O, unas gafas parecidas a las 3D que permitían identificar a los espectros que aparecían a lo largo del metraje. O los espectadores decidían con sus votaciones si el criminal de "Mr. Sardonicus" (1961) debía pagar o no por sus fechorías. Bien atado tenía Castle el resultado del plebiscito, pues algunas fuentes aseguraron que no había rodado ese supuesto final alternativo en el que el villano se libraba de su condena.
“Escalofrío” (The tingler, 1959) es una de sus películas más valoradas. Vincent Price interpreta al Dr. Warren Chapin, un ambiguo científico loco, de cuya verdadera naturaleza, íntegra o malvada, no conoceremos hasta el final. Sus investigaciones descubren que el miedo genera un parásito que nace y se reproduce en la columna vertebral.
Hay que conceder tolerancia a muchas de sus imágenes, como la poca lograda materialización del bichejo en cuestión, o el hecho que su sustracción del cuerpo humano se haga en un abrir y cerrar de ojos, y sin sangre, como aquel que deposita y saca un objeto de una simple caja de zapatos. O a algunas de las últimas escenas, en el interior de un cine, a oscuras, y con Vincent Price pidiendo al público (real) que grite para salvar sus vidas. El grito es lo único que puede mermar al susodicho parásito.

Mientras, Castle introdujo algo de color (rojo para la sangre) en sus imágenes en blanco y negro, y sobe todo se las ingenió para colocar un dispositivo eléctrico en las butacas con el que simular el hormigueo característico de un estremecimiento.
Un cineasta que realizó su propia teoría sobre las raices del miedo, o como el marketing puede convertir el plomo en oro. Pero una figura entrañable, fuente de inspiración, por sus efectos en la propia sala, o en forma de remakes. Incluso el film “I saw what you did” (1965) inspiró el de otra conocida saga de terror, “Sé lo que hicisteis el último verano”. Joe Dante homenajeó su particular talento en "Matinee", o John Waters ideando el “odorama”, una tarjeta con varios olores que se entregaba al público en “Polyester” (1981), y donde lo más olido fue su propio fracaso como experiencia.

Valoración: ( ** )

B.S.O.: Y... Steve Jablonsky en "Transformers"

2007-07-16T00:45:00.001+02:00

B.S.O. "Transformers" de Steve Jablonsky

Incomprensiblemente no se ha editado, al menos aún, el CD con la música original compuesta por Steve Jablonsky para el film de Michael Bay. El compact puesto a la venta incluye básicamente canciones de varios grupos.
La suya ha sido una banda sonora muy en linea de Hans Zimmer y la Mediaventures, de las que hacia referencia en el post de "Steamboy". Temas enfáticos e impactantes, reforzados por el uso del coro, y que recuerdan a la mejor tradición de las fantasías heróicas, como el magnífico tema titulado "Door of destiny" (2' 24").

( Para escucharlo, pueden clicar en el enlace del tema o buscar en la columna de la derecha )

B.S.O.: de "Transformers" a Dickens y el anime

2007-07-14T15:02:00.000+02:00

B.S.O. de "Steamboy" (Katsuhiro Otomo, 2004)

En 2004 uno de los maestros del anime, Katsuhiro Ôtomo, el autor de “Akira” (1988), volvió a dirigir después de dieciséis años. Una aventura fantástica situada en la Inglaterra de Dickens, con el clásico planteamiento de conspiraciones para dominar el mundo, y el encanto de imaginativas máquinas victorianas a vapor. Imágenes barrocas, espectaculares escenas de acción, romanticismo y épica. Pero la película no acabó de funcionar en taquilla.

Para la banda sonora, lo más curioso es que Ôtomo confiara en un occidental, y más en Steve Jablonsky, ahora colaborador habitual de Michael Bay componiendo para “La isla” o “Transformers”; pero antes casi un desconocido con, por ejemplo, “La matanza de texas”, de Marcus Nispel.
Sin embargo, Steve Jablonsky compuso una de las mejores bandas sonoras de los últimos años. Aunando la acción y el espíritu aventurero y fantástico en la mejor tradición del sello Mediaventures, creado por Hans Zimmer, y en el que trabajan compositores como John Powell, Klaus Badelt o Harry Gregson-Williams). Sonido apoteósico y elegante. Como muestra, el tema principal “Ray’s theme” (2’ 53”) y el corte “Scarlet” (1’30”).

( Para escuchar los temas, busquen en la columna de la derecha o pulsen en el enlace del tema )

Clásicos: ¡Arrebatados!

2007-07-13T11:40:00.000+02:00

"Arrebato" de Iván Zulueta (1979)

“Estabas en plena pausa. Arrebatado”. Pronúnciense esta frase con voz ronca, pero entre seductora y escalofriante; e invocaremos uno de los enigmas de la sorprendente película que el donostiarra Iván Zulueta estrenó en 1979.
Perdido en algun lugar de nuestra memoria se halla un instante inolvidable, un recuerdo vinculado a nuestra infancia, y aún sin que lo sepamos, capaz de absorber toda nuestra atención hasta él. Una teleserie, unos cómics, unos cromos, unos juguetes, una fotografías y, ¡zas! Nuestra conciencia quedará atrapada durante minutos, horas… ¡arrebatada!

El film de Zulueta está impregnado de la ternura e ingenuidad que nos puede despertar esta idea; pero también de la pefidez y sordidez que empaña la realidad del mundo aduto, con un Eusebio Poncela que encarna a un director de cine y (al igual que el propio Zulueta durante años), adicto a la heroína.
Además, yendo incluso más allá, las cámaras de cine, en forma de tomavistas Super-8, se tornan objetos tan fascinantes para captar y manipular la realidad como artilugios dotados de vida propia. Y con el ojo vigilante de la cámara, que parece dispuesto a tomar nuestra sangre y alma, hasta transportarnos “al otro lado”. Nuevamente nos encontramos ante la relación vampírica entre cine y realidad, pero contada de manera muy especial.

Sus imágenes están claramente influenciadas por la estética underground estadounidense de la época, pero al mismo tiempo, hacen de la película de Zulueta una experiencia desconcertante, turbadora y única. Una de esas películas realmente inclasificables, entre el drama, la comedia, el terror y lo fantástico.
Una jovencísima Cecilia Roth, y un inquietante Will Moore complementan su particular trío protagonista en el que probablemente sea el principal título de culto del cine español. Atención al empleo de los sonidos (graznidos de cuervos, sirenas de ambulancia, cajas de música y juguetes) para crear atmosfera. De propuesta irrepetible, narración nada cómoda, e indispensable para cinéfilos.

Valoración: ( **** )

Crítica: Un engaño de lo más apetecible

2007-07-11T02:54:00.001+02:00

"Un engaño de lujo" (Hors de prix, 2006)

Hacer una comedia no es cosa de risa. O se recurre al humor más fácil y grueso, al guión más trillado o a tratar a la mayoría de personajes como si fueran estúpidos. Pocas obras maestras ha dado el género en los últimos años, y “Un engaño de lujo” no es una excepción. Nada de genialidad, pero al menos, una más que digna película del tan sufrido género de comedia romántica.
Con una puesta en escena tan elegante como eficaz, resulta muy coherente con la pícara historia de una cazafortunas (Audrey Tautou) a quien le encanta ligar con multimillonarios tirando a maduritos, más que para vivir bien, para gastar todo lo que le pongan a disposición de su Visa; y su ‘affaire’ con el barman de un hotel (Gad Elmaleh) que acabará asumiendo el rol de gigoló mantenido por otra ricachona viuda (Marie-Christine Adam) sólo para acercarse a su verdadera amada en el marco dorado de la costa azul.
El toque Blake Edwards y casi (repito, lo de casi) el de otros maestros de la comedia clásica, como Lubitsch, planea en la mente de su director, Pierre Salvadori, que se está convertiendo, con el permiso de Veber, en la gran esperanza francesa en el terreno de la comedia de enredos y equívocos. Se dio a conocer con la estimable “Usted primero”, en aquella ocasión con Daniel Auteil y Sandrien Kiberlain como protagonistas, y aquí da un paso más en su tratamiento ligero, pero no exento de buen gusto e ingenio.

Nos brinda una pequeña sorpresa que además cuenta con una Audrey Tautou dispuesta a dejar atrás la sombra alargada de Amélie y que, haciendo honor a su nombre, el de Audrey, parece recién salida de “Desayuno con diamantes”. Una deliciosa criatura dispuesta a vender su cuerpo al mejor postor, que no su solitaria alma, dando tumbos e ignorando los placeres del corazón.
Audrey, la Tautou, está espléndida; su compañero, el actor de origen marroquí Gad Elmahed (“El juego de los idiotas”, “El tren de la vida”), sabe darle la réplica sin recurrir a los tópicos excesos interpretativos a base de gesticulaciones grotescas, verborreas insufribles o trompazos por doquier, sinó todo lo contrario; y los secundarios no parecen meras comparsas estúpidas. Además, el invento entretiene y funciona.

Valoración: ( *** )

Headers

2007-07-10T02:16:00.003+02:00

Crítica: Mi transformer preferido

2007-07-07T15:38:00.001+02:00

Tenía sobre todo cuatro motivos para ver “Transformers”. Uno: comprobar la calidad de los efectos visuales y de sonido alcanzados en este blockbuster. Dos: seguir la evolución de Michael Bay como cineasta y autor. Tres: conocer al próximo sucesor de Indiana Jones, el joven Shea LaBeouf. Y cuatro: ver el que se anunciaba como mi transformer preferido, la humana Megan Fox.
Y he de decir que estoy bastante “satisfecho” de los cuatro aspectos. La perfección alcanzada en el apartado técnico es sorprendente. La música de Steven Jablonsky muy convincente; la fotografía espectacular y brillante; los efectos especiales, de lo mejorcito que se ha visto en una gran pantalla; y el sonido, uff! ¡el sonido! Ésta es la clase de película que podría seguirse con los ojos cerrados y disfrutaríamos también a lo grande (pero tampoco lo recomiendo porque nos perderíamos cosas).
Mi secuencia "predilecta" (¡ejem!) en cuanto a ciencia-ficción y fantasía del film es la que tiene lugar en casa de los padres de Sam Witwicky (LaBeouf). Los transformers arman, de noche y en el jardín un revuelo de mil demonios, sin que los vecinos o los padres se enteren de nada; lo único que lograrán percibir es una lucecita debajo de la puerta de su hijo.

Sobre Michael Bay, es su mejor película desde “La roca”. Increíble su habilidad para no dejar la cámara ni un instante quietecita; para su colección de imágenes majestuosas al ralentí, pero al menos ha aprendido a sostener un poco más los planos. Eso sí, en las secuencias de acción sigo sin enterarme que rayos está pasando. Menos mal que de vez en cuando algun personaje nos cuenta como va progresando todo.
Al igual que otros directores como Jan de Bont, afectados de gigantismo y aparatosidad, continua incapaz de crear dramatismo o emoción (y ahí tenemos otra marca de autor). Sin efectos visuales y sonido, sin buscar la mejor pose y encuadre, no les queda demasiado. Pero en la carencia de otros contenidos, digamos más profundos, nos sorprende en esta ocasión supliéndolos cor una trama de comedia juvenil (con chico alto y matón, su novia guapísima, el amigo pesado y divertido…), tópica, sí, pero al menos protagonizada por Shea LaBeouf y Megan Fox.
Shea LaBeouf dará la talla como nuevo Indiana Jones; y respecto a Megan Fox, siempre nos quedará esa escena levantando el capó de un coche (y de paso, otros elementos totalmente orgánicos).
El argumento, no da para más, y es que la película es muy fiel a su condición de juguete para niños de 6 a 12 años, con una sobadísima historia entre buenos y malos, y de robots extraterrestres que se convierten en vehículos. Lo mejor, los guiños nada disimulados a “Gremlins”, con la presencia de unos inquietos y cascarrabias robotillos, o a "Herbie", el coche dotado de vida. Bueno, en resumen, un rollazo sólo salvable por su apartado técnico, y la excelente jugada de Bay de asegurarse en su reparto unos actores solventes en su cometido: LaBeouf, Jon Voight, John Turturro o la Fox (¡qué bien le sientan las mini-faldas tejanas!).

Valoración: ( ** )

B.S.O.: Jugando con el corazón, magistralmente

2007-07-06T01:21:00.000+02:00

B.S.O. de "Playing by heart" de John Barry, Chris Botti y Chet Baker.

¿Les gusta John Barry? ¿Creen que su sonido es siempre el mismo? No importa. A partir de ahora les va a encantar.
“Jugando con el corazón” (Playing by heart), dirigida por Willard Carroll en 1998, presentaba distintas historias románticas y además reunió a un gran reparto: Sean Connery, Gena Rowlands, Gillian Anderson, Madeleine Store, Ryan Phillippe y a una, por entonces, tan jovencísima como casi desconocida Angelina Jolie.

Pese a todo, lo más extraordinario se halla en su banda sonora. Un homenaje al trompetista y cantante de jazz Chet Baker. En su momento, el CD incluía (en una descarada operación comercial), canciones y sólo dos temas originales de John Barry. Ello condujo a los responsables de la banda sonora a la edición de un segundo CD, que nisiquiera recogía la carátula de la película, e hizo justicia.

Repleto de temas buenísimos como “Remembering Chet” o “Playing by heart”. Pero su tema final, "Vows renewed" es de lo mejor que ha dado la banda sonora en la última década. Una auténtica delicia que empieza a ritmo de jazz suave (con Chris Botti a la trompeta), para terminar majestuosamente con orquesta y trompetas. No se lo pierdan en su integridad porque especialmente a partir del minuto 2’ 05” van a oir una auténtica maravilla. Para escuchar y repetir una y otra vez ( 4’ 43”)

( Para escucharlo pulsen en el enlace del tema o bien en la columna de la derecha )

Esclavos del dólar

2007-07-04T12:30:00.000+02:00

"Vivir para gozar" (Holiday, 1938)

Yo, de mayor quiero ser como el personaje de Johnny Case que interpreta Cary Grant en “Vivir para gozar”, de George Cukor. El joven, que ha llegado a los treinta trabajando desde los 10, tiene un sueño: reunir dinero para dejar el curro y disfrutar de la vida aprovechando que aún es joven.
También hay que señalar que es un prototipo de hombre tan entusiasta y divertido como honesto y galán. La perfección hecha… Cary Grant. Y si a su lado está la maravillosa Katharine Hepburn, mejor que mejor. Una Katharine rebelde, soñadora, con carácter, y a la vez vulnerable y sufrida.
Ella pertenece al linaje de los Seton tan escandalosamente rico, desde la iniciativa del abuelo fundando un imperio de las finanzas, como atado a las convenciones sociales y las servitudes del hacer dólares.
Y allí está el buenazo de Cary Grant, que da una cabriola en el aire cada vez que las cosas se ponen feas, para revolucionar con su intención de casarse con la rubia hermana de la Hepburn, Julia (Doris Nolan), las convicciones y normas de la parentela de los Seton, representantes modélicos del capitalismo.

Los Seton son meras estátuas de granito: rígidas frívolas, superficiales y aburridas, casi asemejándose a nobles antes de la Revolución Francesa. Mientras que Johnny Case y su pareja amiga, los Potter (Edward Everett Horton y Jean Dixon), son los amigos genuínos y entrañables pertenecientes al populacho, eso sí, a la plebe más acomodada.
Estupendos diálogos e interpretaciones del Hollywood de cartón y piedra más dorado, y de ese que ya no volverá. Magnífica realización como el travelling lateral que sigue al hipócrita primo de los Seton (Henry Daniell) subiendo las escaleras junto a su arpía esposa mientras van despotricando contra unos y otros, sólo para cambiar automáticamente su discurso por formas educadas y halagos cuando se encuentran con los criticados.
El problema es que el ritmo e interés, avanzando hacia lo previsible, decae considerablemente a partir de la media hora final, pero aún así es un gran George Cukor, inmejorable anticipo de lo que vendría dos años después, también con Cary Grant y Katharine Hepburn, en “Historias de Filadelfia”.

Valoración: ( *** )

Lo nuevo de Sidney Lumet promete

2007-07-02T16:38:00.000+02:00

Nunca acostumbro a dejarles videos, pero esta vez voy a hacer una excepción. Se trata del nuevo trabajo de Sidney Lumet, "Before the Devil knows you're dead" (más o menos, "Antes que el Diablo sepa que has muerto"). Y sólo por ver a uno de sus tres protagonistas ya valdría la pena.
Ellos son: Philip Seymour Hoffman, Albert Finney y Marisa Tomey. Además está Ethan Hawke (buen actor, ¡pero es que ante esos tres nombres!).

Se presenta en plan thriller, más psicológico que físico; repleto de una fuerte carga emocional y ética. El detonante es la ocurrencia de Andy (Philip Seymour Hoffman), adicto a la cocaína, de proponerle a su hermano (Ethan Hawke) el atraco de una joyería. Sólo que ésta es propiedad de sus mismos padres. Lo que parecía un plan sencillo y perfecto se volverá un infierno personal y familiar.

El estreno podría ser para finales de septiembre o el mes de octubre.

El trailer es estupendo, pero la lástima es que es demasiado largo y acaba por contar mucho más de lo que debería. Además, aparece Marisa Tomey en topless, por lo que obtendrá la calificación de "R-Rated" en su pase en los cines, similar a uno de los trailers de, por ejemplo, "300" mostrando demasiado sexo y violencia.

2007-07-02T11:08:00.000+02:00

2007-07-02T11:04:00.000+02:00

Crítica (DVD): Yo fui un policia espacio-temporal

2007-07-02T02:27:00.001+02:00

"Déjà vu" (Tony Scott, 2006)

Tony Scott sigue buscando su lugar en el firmamento de los grandes realizadores. Un apasionado de los filtros fotográficos para dotar a sus imágenes de colores estilizados; un poseso del montaje entrecortado y rápido (sin llegar a los niveles de Michael Bay); y un voraz consumidor de las formas y fórmulas más supuestamente posmodernas aplicadas al cine de acción.
Y algo debe tener el hombre porque ha logrado reunir una minoría de acérrimos defensores que incluso aseguran que es mejor que su hermano Ridley, o para que un actor de la talla de Denzel Washington haya repetido con él después de “El fuego de la venganza”, o para que Robert Redford y Brad Pitt aceptaran someterse, más o menos, a sus dictados tras las cámaras en “Juego de espías” (2001). Incluso para aceptar que yo me divertí con la vapuleada “Domino”.

Y el hermano de Ridley lo sigue intentando con “Déjà vu”, donde se entrega una vez más a fondo para reinventar, en esta ocasión, el género del thriller tecnológico de ciencia-ficción. Donde Denzel Washington es un avispado dedective que comparte protagonismo con unas enormes (y carísimas) pantallas que captan el pasado inmediato, y donde los “agujeros de gusano”, a modo de plieges temporales, permiten saltar, en uno de los susodichos pliegues, hasta el pretérito para intentar cambiar un futuro funesto, en forma de atentado terrorista.
Y tanta sofisdicación, tanto actor con carisma (incluída una guapísima Paula Patton), tanta argucia enrevesada, y tanta pantalla y alta tecnología para acabar como casi siempre en sus películas, aburriendo al personal y resolviéndolo todo a base de explosiones. Sin duda, ante la feliz mirada de aprobación del productor Jerry Bruckheimer, cuyo lema es: un film sin persecuciones, estruendos o zambombazos, no es un film de intriga, ni de ciencia-ficción, ni es película, ni es nada. Mientras, Tony Scott aún anda buscando su particular “Alien” o “Blade runner”.

Valoración: ( * )

PORTADA

2007-07-01T16:51:00.000+02:00

2007-07-01T10:56:00.001+02:00

2007-07-01T10:39:00.001+02:00

2007-07-01T10:37:00.000+02:00

2007-07-01T10:23:00.000+02:00

Ratatouille ¿Obra Maestra?

2007-06-30T12:19:00.001+02:00

O al menos esto es lo que se desprende de la media de valoración de los críticos en metacritic, nada menos que ¡95 puntos sobre 100!, y ya la han puntuado una treintena de críticos estadounidenses. La misma valoración obtiene en Rotten tomatoes.

Parece que el genial Brad Bird de "Los increíbles" o "El gigante de hierro" ha vuelto a lograrlo con "Ratatouille". Y su acogida, de momento, por los especialistas, vale su peso en oro en un verano, éste, dominado por las secuelas; y después de un año, el pasado, con tanta abundancia de películas de animación como escasez de talento.

En nuestros cines se estrena el 3 de agosto. Esta sí que no me la pienso perder.

B.S.O.: En forma, con Ennio Morricone

2007-06-29T02:33:00.000+02:00

B.S.O. de "La desconocida" (La sconosciuta, 2006)

El ‘cuore’, la música con sentimiento, es una de las principales características del gran Ennio Morricone. 78 años, y aún activo y en plena forma, como lo demuestra su inspiración para “La desconocida”, galardonada con el David di Donatello a la mejor banda sonora.
“La desconocida”, de Giuseppe Tornatore, se presenta como una mezcla poco habitual de drama y cine negro, con el trasfondo de la explotación de los inmigrantes en Europa, obligados con frecuencia a ser mano de obra barata, o carnaza para burdeles. Está protagonizada por Ksenia Pappoport y el veterano Michel Placido y obtuvo 5 premios David di Donatello, entre ellos, también el de mejor película, actriz. Morricone y Tornatore ya habían colaborado juntos en "La leyenda del pianista del océano" (1998) o la celebrada "Cinema Paraiso" (1988). Aunque la película no tiene todavía fecha de estreno en nuestras salas, sí que les dejo con el tema principal compuesto por Morricone. (2’ 41 “)

( Para escuchar el tema, pueden buscar en la columna de la derecha o pulsando en el enlace del tema )

Crítica: "Historia de un crimen" (Infamous)

2007-06-27T01:08:00.000+02:00

Frank Sinatra declaró, refiriéndose a Judy Garland: “Cada vez que canta, se muere un poco”. La frase queda recogida en la película de Douglas McGrath, y sirve de ejemplo con lo que le sucedió a Truman Capote en la escritura.
La elaboración, durante años, de la novela “A sangre fría”, sobre el asesinato de una respetada familia de granjeros, los Clutter, en Kansas sirvió a uno de los propósitos del autor, el de revolucionar la literatura estadounidense fundiendo el reportaje de sucesos con la narración novelesca. Estableciendo las bases para la novela de no ficción.

Pero la cita refleja también tanto lo que implica de esfuerzo agotador en el proceso de creación artística como, añadiría, de dar un paso más para trascender el deterioro físico y mental y acercarse a la inmortalidad mediante el arte. El proceso de creación como autodestrucción y vida eterna al mismo tiempo.
Y, en el caso de Truman Capote, esa obsesión por conseguir su obra sublime, definitiva, halló mayor gloria, y a la vez, muerte, en la relación que mantuvo con una de sus fuentes para el libro: uno de los dos desarraigados asesinos de la familia Clutter.

Los dilemas del arte.
Éste fue Perry Smith, un joven violento y, en cierta manera, también educado y sensible; que se asemejaba, por traumas comunes de infancia, a la otra cara de la moneda del respetable Capote. Una relación que basculaba en las contradicciones del autor egoista interesado en publicar su obra maestra; y un amor imposible. Aunque, en su centro de gravitación, y más allá de lo sexual, la sintonía que pudo haber entre los dos, ente el artista y el asesino, parecía encontrarse en el deseo de cariño, de encontrar, al fin, ese alguien que te llegue a comprender y aceptar.
El título de la novela, “A sangre fría”, equiparaba al mismo nivel el asesinato sin motivos de unos criminales con la ejecución, metódica y, lógicamente “a sangre fría”, del asesinato legal que supone la pena de muerte. Asimismo, el título original del film juega con las palabras I(n)famous (“famoso”, e “infame”), dejando al descubierto la doble naturaleza, positiva y negativa, del autor de “Desayuno con diamantes”; equilibrando las cuestionables éticas y moralidades entre dos personajes, uno que es celebridad; y el otro, escoria social.
El objetivo de Capote por terminar su libro nos plantea otro clásico dilema: ¿qué es más importante, el individuo o una obra de arte? O ¿quién no habría dudado en utilizar a Perry (carne de horca) para hacer una obra de tal magnitud?

Capote, dos veces magnífico.
Desde la comedia costumbrista; con el retrato de la alta sociedad de los 60, o el contraste de un afeminado Capote vestido como una reinona en un cerrado pueblo del medio oeste estadounidense; al melodrama, con fuertes connotaciones sexuales, “Historia de un crimen” maneja un material y un cambio de registro cargado de riesgo; pero supera la prueba con nota.
Y más habiendo coincidido su rodaje con la magnífica “Capote”, de Bennett Miller, estrenada antes, y la que se llevó todos los méritos, incluído el Oscar para una interpretación memorable de Philip Seymour Hoffman.
Si Philip Seymour destacaba su aspecto de dandy carismático y amanerado que ocultaba sus sentimientos tras su vanidad y afilado ingenio; acentuando sus contradicciones y lado más egoista; Toby Jones resulta un Truman Capote más humano y accesible, escudándose en su frivolidad social, también mostrando su aspecto más “extravagante”, e igual de extraordinario en su caracterización.
En cambio, tras las cámaras, Douglas McGrath se muestra eficaz, que no es poco, aprovechando sus recursos: un excelente protagonista, plantel de secundarios y diseño de decorados y vestuario; pero también con frecuencia es un mero ilustrador. Mientras que Bennett Miller, pese a ser debutante, exhibía maneras más elaboradas (por ejemplo, basta comparar el momento en que capote ve por primera vez a Perry en ambos films).
Y no deja de resultar tan atrevido como chocante ver a Daniel Craig, el duro Bond, encarnando a Perry; así como una grata sorpresa ver a una Sandra Bullock de gran madurez intepretativa. Pero lo mejor es comprobar como una y otra película sobre los mismos hechos se complementan y enriquecen.

Valoración: ( *** )

El capitán Renault intentando sonsacarle algo a Boogie

2007-06-25T01:36:00.000+02:00

Cap. Renault: He oído que alguna cosa se está cociendo por aquí, y por allí. ¿Algo que quiera contarme?
Boogie: Puede.

Cap. Renault: ¿Y el Conrad Veidt o el Peter Lorre están metidos en el ajo?
Boogie: No.

Cap. Renault: Pero, ¿y la Ingrid? Ella… sí.
Boogie: ¿Ingrid? Hay varias.

Cap. Renault: Y Sam ¿volverá a tocar?
Boogie: Supongo.

Cap. Renault: Veo que está decidido a no soltar prenda.
Boogie: Hmmmmm.

Cap. Renault: ¡Bueno! Pronto volveré a pasarme por aquí.
Boogie: O.K.

Cap. Renault: Y a ver si la próxima vez está más comunicativo.
Boogie: Renault, ¿le gusta el cine?... Este puede ser el inicio de una gran amistad.

B.S.O.: David Shire, el sonido de los setenta

2007-06-21T06:24:00.000+02:00

B.S.O. de "Pelham uno, dos, tres" (Pelham 1,2,3; 1974)

Una banda de cuatro criminales secuestra un tren del metro de Nueva York, en la estación de Pelham. Piden un millón de dólares, y amenazan con matar a un pasajero cada minuto si no se les entrega esta cantidad. La misión del inspector de policia Garber (Walter Matthau) es la de lograr entretener a los delincuentes mientras se intenta dar con alguna estrategia para liberar a los rehenes.
En "Pelham uno, dos, tres" el reparto se redondeaba con grandes nombres como Robert Shaw, Martin Balsam o Hector Elizondo; y los apodos en clave de “Sr. Azul”, “Sr. Marrón”, “Sr. Verde” y “Sr. Gris” de los asaltantes, y el hecho de ir vestidos igual, inspiraron a Tarantino para su célebre ópera prima “Reservoir dogs”.
De la dirección se encargó un eficaz, pero discreto, artesano como Joseph Sargent. Mientras que la música fue ideada por uno de los compositores más representativos de los setenta, David Shire, con partituras para “La conversación” o “Todos los hombres del presidente”, y recientemente recuperado por David Fincher en “Zodiac”.
El sonido que imprimió a “Pelham uno, dos, tres” (1974) fue contundente y vibrante, recurriendo a elementos clásica, y también del jazz y el blues. El tema principal es excelente, integrándose a la perfección con todo el mecanismo de intriga y acción de la película; y también es una de las piezas más recordadas de la trayectoria de Shire. (2’ 19”)

( Para escuchar el tema pulsen en la barra de derecha o en el enlace del tema )

Crítica: "Bajo las estrellas"

2007-06-19T03:33:00.000+02:00

“Bajo las estrellas”. Sin techo y deambulando sin morada fija, o protegiendo con un manto celeste los sueños rotos o sin cumplir.
Sugerente el título de la ópera prima del prometedor, o eso espero, Félix Viscarret, un pamplonica que, bajo el auspicio de Fernando Trueba en la producción, nos lleva desde Madrid al perdido pueblo navarrés de Estella, para asistir al proceso de madurez, y de reencuentro consigo mismo, de Benito Lancuza (Alberto San Juan).
Un trompetista que, en esa búsqueda de su destino, escapó de esos valles y gentes en un intento de triunfar en la metrópoli. Y allí se rebautizó, artística y simbólicamente, como Benny Lacun.

Paisaje humano.
Pero el talento, o la suerte, no eran los aliados de este “gran” Benny Lacun, en realidad un don nadie, un fracasado, un cafre y un borracho. Incapaz de derramar una lágrima, ni por su agonizante padre en el lecho de muerte. Cuestión de egoismo, o de traumas que se remontan a la infancia. Y Benito, niño grande, a punto para hallar su camino.
El tapiz humano se enriquece con un hermano buenazo hasta lo patológico, apodado "tuboloco" o "Hierros" por su inusitado don para realizar esculturas con simple chatarra (excelente Julián Villagrán); una muchacha, ahora mujer, castigada por su pasado, intentando sobreponerse al futuro (Emma Suárez); y una niña, silenciosa, enigmática y rebelde (Violeta Rodríguez) capaz de robarle el corazón a ese hombre que no puede llorar.
No le falta poesía y sensibilidad a la propuesta, ni tampoco un toque de presunta tosquedad montañesa mezclada con nihilismo urbano, en esta obra del debutante Félix Viscarret que aliña sus imágenes de naturalidad ‘amateur’ y cuidada dejadez, en los encuadres y el montaje. Pero especialmente, no escasean los elementos más dramáticos, siempre bajo el barniz, más que de las estrellas, de la comedia que tanto nos ayuda a alejarnos de la rigidez de lo trágico.

Esculpiendo la vida.
Aún así, más convencional y, por momentos, plomizo, de lo deseable, el trabajo de Viscarret gana enteros gracias a las interpretaciones de sus actores. Sobre todo a un Alberto San Juan, que logra que un sinvergüenza de su calaña llegue a tocar la fibra sensible. Divertídisima, por ejemplo, la secuencia en la cabina telefónica con benito hablando con su amante de Madrid, la Pauli (Luz Valdenebro).
Mención especial merece también la música de Mikel Sala (“Romasanta”, “Bagdad Rap”), y buen ojo, se supone que el de Fernando Trueba para elegir compositores, con un espléndido tema principal ‘country’ que enlaza con ese tono de ‘western’ a la navarresa que ha buscado su director.
Y aunque el argumento, adaptando la novela “El trompetista del Utopía”, de Fernando Aramburu, no ofrezca más, pero tampoco menos, se consigue dar fe que, en este mundo terrenal nuestro, "bajo las estrellas", del mismo modo que de las chatarras se puede llegar a esculpir arte, también entre las vidas cubiertas de mugre y desechos puede haber esperanza.

Valoración: ( *** )

Crítica: "Taxidermia"

2007-06-16T14:49:00.000+02:00

“Taxidermia” se presenta como lo más nuevo en cuanto a imágenes de impacto. También resulta de lo más curioso ese punto de vista a lo “húngaro” en esta aportación de György Pálfi, adaptando los relatos de Lajos Party Nagy.

Como muchos ya sabrán, son tres historias, ambientadas en distintas épocas (primera guerra mundial, comunismo y actualidad), y con los miembros de una misma generación familiar (abuelo, padre e hijo), como nexo de unión. Unos episodios en donde uno debe ser muy imaginativo si quiere relacionarlos con otros aspectos de la vida social y política de la propia Hungria.
También, seguramente, les sonará que la película incluye explícitamente escenas de lo más repulsivas, como una extracción de órganos, que podría ser calificada casi de interés quirúrjico, o una eyaculación, nada precoz, que eleva el semen a las mismas estrellas.

De lo vulgar a lo trascendente.

Hay en el film de Pálfi esa voluntad profundamente provocadora, y también sería de lo más fácil vilipendiarla aludiendo a la falta de contenido de la propuesta. Sin embargo, Pálfi acaba por hablarnos del inapelable paso tiempo y la capacidad, o incapacidad, del individuo por trascender, por perdurar o ser recordado en su fugaz y mísera vida terrenal. Al respecto, un montaje en torno el fluir del tiempo con una bañera como objeto común, se revela tan estilísticamente rebuscado como elocuente. En esa bañera, y sus múltiples funciones, se alojarán nacimientos, mujeres en plena higiene, lavaderos, defunciones… sucesívamente.
No les chafaré nada relevante sobre el argumento si les digo que uno de los protagonistas intenta ser el mejor en unos increíbles concursos de comer (!), o que su hijo, un flacucho y blanquizo taxidermista, físicamente lo opuesto a él, también acabará por realizar un último acto que le acerque a la inmortalidad en forma de obra de arte. Incluso el abuelo, ese lunático soldado obsesionado por el sexo, en la primera historia, logrará que su semilla se perpetúe, digamos, de forma más convencional: engendrando un hijo (aunque sea bastardo).

Los fluidos del mundo.

Si la desaforada imaginación, y lo excéntrico de los personajes, nos acercan al mundo de Terry Gilliam, aunque de manera mucho más bruta en la película de Pálfi; el espíritu y las imágenes de “Léolo”, del belga Jean-Claude Lauzon, también toman forma corpórea, y aún de manera menos sutil, en “Taxidermia".
Una fisicidad, con tendencia a lo escatológico y vulgar (entendido como algo común, y que allí está a pesar que lo intentemos encubrir), que también lo vincula con Passolini. Y si para el director de “Saló, o los 120 días de Sodoma” el mundo era como un gran estercolero, para Pálfi el mundo es un habitáculo de fluidos y vomiteras, todos emanando felizmente del interior de nuestro cuerpo.
Y lo muestra tanto con un estilo depurado y virtuoso (movimientos de cámara y encuadres casi imposibles), como directo, pedreste y grosero. Un exabrupto no apto para todos los estómagos, pero interesante. ¡Ah! Y esas escenas de vómitos y más vómitos,¡ seguro que no se les olvidarán fácilmente! O esa gota de sudor desparramándose por debajo de unas axilas hasta ser degustada con goce amoroso.
Sírvanse con la polémica, pero, ¡por favor! No “devuelvan” encima de este blog.

Valoración: ( *** )

B.S.O.: ¡ Morir de placer !

2007-06-13T04:41:00.000+02:00

B.S.O. de "El poder de la sangre de Drácula" (Taste the blood of Dracula, 1970)

Una de mis bandas sonoras preferidas pertenece a una película de muy poco ilustre recuerdo, y no menos desastrosa realización. Se trata del score para “El poder de la sangre de Drácula” (Peter Sasdy, 1970), donde un siniestro aristócrata convence a tres caballeros victorianos para celebrar una misa negra y resucitar a Drácula. Además de quedar claro que Peter Sasdy no es Terence Fisher, se recurrió a imágenes de archivo, para enlazar el argumento con anteriores películas de la Hammer, y el mismo Christopher Lee se negó, en un principio, a interpretar al vampírico Príncipe de las Tinieblas.
Un despropósito, no carente de su gracia, donde el compositor fue un habitual de la productora Hammer, un nombre a reivindicar y tan poco conocido como es el británico James Bernard (1925 – 2001).
Ha sido , por ejemplo, autor de las músicas de “El experimento del dr. Quatermass” (1955), “El perro de los Baskerville” (1959), “She, la diosa de fuego” (1964), “Drácula, príncipe de las tinieblas” (1966), “Frankenstein creó a la mujer” (1967) “La novia del diablo” (1968) o "Kung Fú contra los siete vampiros de oro” (1974).
Y la melodía principal para “El poder de la sangre de Drácula” es una de las más preciosas que ha dado el cine. Queda maravillosamente recogida en el tema Romance at dusk. (2’ 32”)

( Para escuchar el tema pueden pulsar en el enlace del título o en la barra lateral de la derecha )

¡ Luces, cámara y, muy pronto, acción !

2007-06-11T10:36:00.000+02:00

¿Le gusta el cine? Este puede ser el inicio de una gran amistad.

Próximamente... en las pantallas de su ordenador.

Crítica: "El truco final (El prestigio)" (DVD)

2007-06-09T15:48:00.000+02:00

La idea es tan brillante como ingeniosa. Concebir el argumento y el montaje de una película como si de un truco de magia se tratara. Certificando de paso la condición de prestigitador, a menudo tan ligada al cine, de Christopher Nolan, en colaboración, aquí y en el guión, con su hermano Jonathan para adaptar un libro de Christopher Priest.
La rivalidad de dos magos en el Londres victoriano de a finales del siglo XIX es además el escenario perfecto para un “todo es posible”, con la suspensión de la credulidad propia del género fantástico, en esta doble confrontación, por un lado, entre la ciencia y la fe y, por otro, entre dos magos, Hugh Jackman y Christian Bale, rivalizando y vengándose con distintas artimañas, y sacando a la luz no sólo sus secretos profesionales más celosamente guardados sinó también los drapitos sucios de la mezquindad humana.

¡Estén atentos!
Y es que en esta exhibición de habilidades y defectos, Nolan realiza otra pirueta, adornando y complicando el enorme truco, o trucos, que jalonan su puesta en escena con una caja de muñecas rusas. En ella, la estructura narrativa se convierte en un complejo andamiaje que no duda en retroceder en el tiempo, en avanzar o cruzar dos relatos a la vez.
Nolan logra fascinar por momentos, y también intenta despistar a su público con diversos señuelos; pero comete el error de mostrar sus bazas antes de tiempo evitando ese efecto de “prestigio”, de “truco final”, doble, que todo buen mago debe mantener oculto al menos hasta el final, o incluso sin revelar jamás. Su capacidad de ilusionismo se queda a medio gas.
Y mención especial merece el espléndido reparto reunido para la ocasión. Un Hugh Jackman que cumple en su cometido de mago aristocrático, en oposición a Christian Bale, de origen plebeyo, tosco pero también menos carismático de lo que se debería esperar de su personaje.

Secundarios como guinda.
Contar con la presencia de Michael Caine es siempre toda una garantía y un lujo. El británico es un auténtico roba-planos, y Nolan lo sabe, convirtiéndolo en uno de sus secundarios fetiche. Scarlett Johansson es un simple maniquí que aparece y desaparace por la película enfundada en sus corsés y picardías de época, y es que su rostro no se asemeja demasiado victoriano. Las sorpresas las constituyen un David Bowie como Tesla, científico incomprendido que parece salido de una novela gótica de Mary Shelley; y Rebecca Hall, lista para rodar en Barcelona a las órdenes de Woody Allen.
Y si pese al interés de su propuesta, y su exquisita forma, “El truco final (el prestigio)" resulta algo fallida, también puede constituir una propuesta de lo más agradable para los amantes de la intriga y el fantástico, en la que Nolan, como todos los grandes cineastas, y artistas, se acerca, entre apariencias y vanidades, a la compleja naturaleza de las obsesiones. Aún así, la sensación final se alberga lejos de la genialidad.

Valoración: ( *** )

Crítica: "Half Nelson"

2007-06-07T11:21:00.000+02:00

La Historia funciona por opuestos. Fuerzas enfrentadas, bandos en litigio, cuyo choque originará como resultado una nueva etapa. La Historia se hace a base de fricciones y conflictos, de batallas físicas o intelectuales destinadas a crear otro orden. Admirador de la dialéctica de Hegel, ésta es la teoría que defiende el profesor de un instituto de Brooklyn Dan Dunne (Ryan Gosling).
Sus ánimos y vitalidad contagiosa en las clases contrasta con los de su otra vida. El desengaño y los golpes amorosos le han convertido en un perdedor adicto al crack. Hay en Dan dos mitades que forcejean constantemente: una por salir a flote, otra para autodestruirse. Y el “efecto mariposa” dispondrá que una de sus alumnas, una joven negra procedente de una familia desestructuralizada, le descubra en los lavabos “puesto” hasta las cejas. Y es que la Historia se escribe también gracias tanto a los enemigos, como a los aliados que uno tenga.

Un trozo de realidad.
Cargado de buenas intenciones, el debutante Ryan Fleck se lanza a filmar una película de esas que quieren resultar cercanas e independientes, abusando del aspecto documental: cámara en mano y desenfoques, fotografía luminosa y poco filtrada, encuadres casi compuestos al azar para adentrarse mejor en las vidas de los protagonistas.
Pero en el empeño se olvida de dotar precisamente de vida a su narración, logrando una historia que se sigue más bien con desgana y desinterés, quedándose sólo en la “mitad” de lo que podría haber sido.
Los belgas hermanos Dardenne, tan premiados en Cannes, y autores de títulos como “La promesa”, “Rosetta” o “El niño”, no han encontrado su reencarnación en Ryan Fleck, quien a demás se muestra muy poco hábil y original en algunos montajes de “contraste”. Por ejemplo, cuando la muchacha, Drey (Shareeka Epps), se maquilla mostrando su despertar sexual, y subrallado por la alternación de escenas del profesor dando revolcones en la cama con su amante. Tampoco mejor parada se vislumbra la comparación entre las escenas familiares del maestro y su pupila, en sus respectivos, y muy distintos, entornos.

Sin Historia.
Una película que tiene sus momentos clave en las miraditas de cordero degollado que lanza Dan a su inesperada y pequeña amiga cada vez que es pillado ‘in fraganti’ con su adicción autodestructiva, y que nos habla sobre el valor de la amistad, de la importancia de tener a alguien al lado.
Pero para llegar a todo ello se requiere además mucho aguante, el mismo que para llegar hasta el final de “Half Nelson” entre bostezo y bostezo. En los temas y conflictos que presenta, queda claro que este film de Ryan Fleck no hará Historia, a pesar de haber ganado el Gran Premio del Jurado en Sundance, o que Ryan Gosling (“El diario de Noah”, “El creyente”) fuera la sorpresa de las nominaciones al Oscar como mejor actor en la pasada edición.

Valoración: ( * )

B.S.O.: José Nieto, un compositor fantástico.

2007-06-04T22:43:00.001+02:00

B.S.O. de "El caballero del dragón" (1985)

Buscando alguna banda sonora española destacable he vuelto a los ochenta. Y ha sido para recordar una de las mayores producciones de su momento, “El caballero del dragón”, que realizara el especialista en comedias Fernando Colomo. En su marciano reparto, que incluía a Klaus Kinski, Harvey Keitel o Fernando Rey, encontramos también a un Miguel Bosé metido en la piel de un extraterrestre que, como buen E.T., estudiaba la fauna y la flora del planeta. Aterriza en la Edad Media, y los coétaneos confunden su nave con la de un poderoso dragón.
Poco éxito, comercial y crítico, acompañó a la película, sin embargo la música fue muy elogiada. Obra de uno de los grandes compositores españoles, José Nieto, ganador de 6 goyas, compuso una partitura a la altura de las más fastuosas superproducciones de Hollywood. Eso sí, se nota el efecto del sonido ochentero, entre sintetizadores y ritmo discotequero. Pero ahí queda el esfuerzo en su tema principal. (3’ 22”)

Y esta banda sonora queda dedicada especialmente a Chuspi. Lo prometido es deuda, y ya caerán otras bandas sonoras españolas. Pero antes, y esta misma semana, hay otro siniestro personaje, con colmillos, capa y sediento de sangre, haciendo cola para que ponga también su música: quiere que demuestre que algunos de los temas que acompañaban sus míticas producciones para la Hammer no eran tan terroríficas, sinó bellísimas.

( Para escuchar el tema pueden pulsar en la barra lateral o en el enlace del tema )

Crítica: "Edmond" (DVD)

2007-06-02T15:58:00.000+02:00

David Mamet, como guionista, y Stuart Gordon, como director, y los dos juntos… ¡tienen mala leche! Y al pobre diablo de Edmond, del título, un estupendo William H. Macy, se las hacen pasar canutas en un particularísimo descenso a los infiernos de Dante, pero aquí mismo, en la Tierra.
Versión aún más terrorífica del “Jo, qué noche”, de Scorsese, su protagonista es uno de esos hombres de mediana edad que aún no ha encontrado su lugar en el mundo. Un tipo que está atravesando por la crisis de los cuarenta y, como parece esa clase de hombrecillos que llegan siempre tarde a todas partes, también la susodicha crisis le llegará a los 47 años, cuando decide abandonar a su esposa y darse una noche loca en busca, simplemente, de satisfacer el capricho de un buen polvo con alguna de las jóvenes meretrices que pueblan las malas calles de la ciudad.

Una noche de furia.
Un sórdido deambular entre sex shops, casas de masaje y clubs de alterne para que el bueno, hasta entonces, de Edmond se la pegue de bruces con una noche de furia, la que le hará descubrir su racismo oculto; la clase de personajillo incomprendido que es; como desaperecen de repente el significado de palabras como “solidaridad”, "ética" o “cariño”, y comprobar que las trabajadoras del amor están dispuestas a abrirse de piernas muy fácilmente, sí, pero a un precio para nada módico.
Y Edmond acabará convertido en un patético filósofo de la vida en un sitio en el que jamás habría sospechado. Edmond, Edmond.. no hay que olvidar que tras las cámaras se encuentra un tipejo de la calaña de Stuart Gordon, imprimendo a sus tragicómicas imágenes un tono pesadillesco de lo más delirante, y dispuesto también a cebarse da igual que sea en un piltrafilla ladronzuelo negro, o en una samaritana camarera blanca.

William H. Macy, pequeño gran hombre.
Tanto si usted es de los que cree que William H. Macy es uno de los mejores actores de la actualidad, como que no, aquí tiene una inmejorable ocasión para certificarlo, o salir de dudas. Además, por este infierno en la Tierra se pasean féminas de la talla de Julia Stiles, Mena Suvary y Denise Richards (aunque fugaz, su mejor intepretación desde “Juegos salvajes”. ¡Con lo que prometía esta chica!) y cameo especial de uno de los actores-fetiche de Gordon, Jeffrey Combs.
En el cine su paso fue fantasmagórico, únicamente estrenada en una sala de Madrid. Pero ahora con el DVD no hay excusas. Asistan, incrédulos, a este peregrinaje existencial teñido de horror cotidiano, y descubran perplejos cual es ese lugar en el mundo en el que termina Edmond.

Valoración: ( **** )

Crítica: "Piratas del Caribe 3: En el fin del mundo"

2007-05-30T01:02:00.000+02:00

Habrá quien salga del cine creyendo que los alegres y temerarios piratas de Jack Sparrow y su séquito han derrotado a la poderosa flota de la Compañía de las Índias Orientales. También quizás pensando que se deja las puertas abiertas a nuevas aventuras de Sparrow, Will y Elizabeth. Desafortunadamente, ni una cosa ni la otra es cierta.
Supongamos que el romanticismo implícito en el mundo de los piratas simboliza lo intrépido de las aventuras, la fascinación por lo desconocido y la magia de las leyendas; mientras que la Compañía de las Índias Orientales representa lo pragmático, el progreso, el dinero, el control y el capitalismo. Y, parafraseando a la propia “En el fin del mundo”, el mundo de los piratas se enfrenta a su extinción.

Se pone en rumbo a toda vela, pero adolece de todos los tics y defectos que acompañan a las película fallidas y más cómodas del género del ‘blockbuster’, o rompetaquillas. Los responsables han tenido a bien creer que todo debe ser más espectacular, más grande, con más personajes, con más sorpresas… y el producto resultante funciona por acumulación, sin asomo de historia, de emoción o sentido de lo mágico y lo extraordinario.

Abordaje sin magia.
Nula confianza en el guión, y sin necesidad de desarrollar demasiado a sus personajes, los cuales se les presupone que su carisma ya está probado y sobradamente conocido por el público. Sobre todo un Will Turner (Orlando Bloom) apareciendo de vez en cuando en alguna escena, pero haciendo que uno se pregunte realmente lo que pinta o porque siempre está apresado, sea por un bando u otro.
Así, el guión se limita a sacarse de la chistera constantes giros argumentales repletos de traiciones; y con los protagonistas y secundarios pasándose al bando de los buenos y de los villanos, y a la inversa, siempre buscando ese efecto sorpresa. Entremedio, una atracción que intenta aturdir sin respiro al espectador a base de amontonar elementos exóticos, fantásticos y efectismos. En este todo vale, la verosimilitud brilla por su ausencia. Cualquier cosa puede suceder sin causar asombro: desde que se decida que “muertos” pueden regresar a la vida y cuales no, a conveniencia o capricho; o el inventarse el hacer aparecer una diosa porque sí, porque no se había metido ninguna y faltaba.
Ni siquiera la promocionada, estelar y breve aparición de Keith Richards, o la de Chow Yun-Fat, un elemento exótico, tienen mayor relevancia.

Un mástil solitario.
Sólo funcionan algunos puntuales momentos de humor, algun que otro toque surrealista-daliniano (con cangrejo piedra como ejemplo) o una secuencia inicial que promete, con un niño entre los próximos ajusticiados en la horca por su adhesión a la piratería, y un plano cenital que relaciona la inocencia y pequeñez del muchacho con la fatídica soga, a la que ni siquiera alcanza para que abrace mortalmente su cuello. Un toque de crueldad totalmente inesperado en una producción familiar Disney.
¿Una cuarta parte? ¿Para qué? Deberá ser aún más de lo mismo, y probablemente a peor, buscando superar esta supuesta grandeza del cierre de la trilogía. Definitivamente, la saga terminó con la primera, enarbolando en lo alto del mástil nuevamente la bandera del género; y algunos afortunados momentos de “Piratas del Caribe”“El cofre del hombre muerto”, como la lucha en la rueda del molino o las apariciones del añorado kraken.
Por ello, “Piratas del Caribe 3: en el fin del mundo” es la derrota del auténtico espíritu de la aventura, la magia y la fascinación, en aras de buscar sus récords de ingresos acudiendo a las más manidas fórmulas para asegurarse no defraudar por el precio de la entrada: acumulación de personajes, decorados, maquillaje y efectos visuales. La Compañía de las Índias Orientales campa a sus anchas en taquilla.

Valoración: ( * )

Crítica: "Zodiac"

2007-05-21T00:46:00.001+02:00

Se ha dicho que “Zodiac” significa la madurez de David Fincher. Yo añadiría más, el cine estadounidense, y el de Hollywood, se ha ganado sus buenas cuotas de madurez para este año gracias a esta película del autor de “Seven”. Ya pueden entrar las secuelas, blockbusters y demás megaéxitos prefabricados, porque la cuota de cine del bueno en este primer semestre se ha cumplido.
Y David Fincher que, para mí, ya suma nada menos que tres excelentes películas, “Zodiac”, “Seven” y “El club de la lucha”, se consolida en el club de los grandes cineastas, negándose además, al igual que Shyamalan, a seguir siempre las mismas pautas estéticas y de narración, con las fórmulas seguras que funcionan. La misma decisión de tener a David Shire como compositor de la banda sonora es una muestra más que Fincher tenía su mirada puesta no en el estilo que le dio fama en “Seven”, sinó en el thriller de los setenta, sobre todo en “Todos los hombres del presidente”, de Alan J. Pakula, de la que el compositor fue también Shire.

Obcecados por la verdad.
Fincher desarrolla una minuciosa trama en torno a un asesino en serie para hablarnos del miedo cotidiano, pero también sobre la imposibilidad para llegar a conocer la verdad, como en esa constatación de coincidencias que señalan donde parece hallarse; acercándose tocándola, pero sin probar jamás que sea la verdad absoluta. Ejemplos, los criptogramas que envía Zodiac, o ese vertiginoso juego de posibles certezas de sospechosos hacia el final.
O de lo fácil que es para la mente humana el llegar a obsesionarse; cruzar los límites de lo patológico y olvidarse del trabajo, incluso de aquellos que nos rodean o aman para encerrarnos sólo con el objetivo de nuestra obsesión. Espléndidamente explícito en el tramo final, cuando el dibujante del “San Francisco Chronicle” Robert Graysmith (Jake Gyllenhaal), y autor de los dos libros en los que se basa la película, se muestra decidido a descubrir y verse cara a cara con el psicópata del zodíaco. Una muestra de la riqueza de una propuesta que prefiere alejarse de los terrenos más convencionales del ‘psycho-killer’ para dedicarse a explorar mejor la condición humana. Y su engranaje, en cuanto a personajes, tal vez no sea del todo perfecto, pero resulta modélico. Pero, sus tres protagonistas, espléndidos, sobre todo Mark Ruffalo y Robert Downey jr.

Ha nacido un referente.
Su puesta en escena, apoyada magníficamente con la labor del director de fotografía Harris Savides (colaborador habitual de Gus Van Sant), es una lección de cine, de cómo recrear una atmosfera y una época. Dotada de una textura de luces y filtros, más bien oscuras, que nos hacen viajar varias décadas atrás. Pero lo que importa, es que además su limpia sobriedad y sequedad se amolda perfectamente al contenido.
El auténtico zodiac inspiró a criminales como el que perseguía Eastwood en “Harry el sucio”. Y uno de los dedectives del caso, David Toschi (Mark Ruffalo), sirvió de referencia al “Bullit” de Steve McQueen o a la televisiva “Las calles de San Francisco”; del mismo modo en que “Zodiac” será uno de los títulos claves del género, y objeto de estudio en las academias de cine.

Valoración: ( **** )

Crítica: "Retrato de una obsesión"

2007-05-18T12:57:00.003+02:00

El caso del director Steven Shainberg no deja de ser peculiar. Sus películas se basan en un tratamiento poco convencional; una fotografía cuidada e imaginativa; una visión en torno a una relación sexual no exenta de morbo; y el contar con unas extraordinarias actrices para el personaje principal femenino, Maggie Gyllenhaal en “Secretary” o Nicole Kidman para “Retrato de una obsesión”.

Pero aún así sus películas no consiguen dejar huella. Ni público ni crítica lo situan como un cineasta de referencia, y la culpa tampoco puede achacarse aquí al horrible título en castellano de “Fur (piel, pelo): an imaginary portrait of Diane Arbus”. Un retrato inspirado en la fotógrafa estadounidense considerada como una de las mejores artistas del siglo XX, revolucionando a propios y extraños con sus instantaneas de frikis, de seres de lo más marginales, como tullidos, enanos, travestis o desnudos, y cuestionándose los límites entre la belleza y la fealdad.
Ello sirve para filtrar la historia real pasándola por el tamiz de lo inventando y creando una historia plagada de sugerencias y referencias en torno a la artista Diane Arbus, convertida aquí en una reprimida ama de casa, hija de una madre dominante, esposa de un prestigioso fotógrafo y madre de dos niñas.

Alicia en frikilandia.
Shainberg y su equipo juegan a mostrar esta fascinación de Diane por lo anormal como si fuera un cuento, acercándolo explícitamente a “Alicia en el pais de las maravillas”. Y también juegan al homenaje, a Diane y a Alicia, y a “La parada de los monstruos” de Tod Browning, a “La bella y la bestia” de Jean Cocteau, a Lynch e incluso al Chewbacca de “Star wars”.
Demasiadas referencias que terminan contradictoriamente por restarle a “Fur” su personalidad, quedando relegada a un refrito, muy bien filmado, de todo lo que rinde pleitesía. Y con los ‘handicaps’ que tampoco domina el tiempo narrativo, alargando excesivamente un metraje cuyas dos horas van pesando en el espectador.
Siendo poco original cuando debería serlo, tampoco da píe a esa sugerencia o capacidad de transgresióna la que alaba; herida de muerte por lo demasiado evidente de lo que nos cuenta. Quedándose a menudo en la superficie de otros personajes y temas que trata, como las posibilidades que ofrece la hija mayor de Diane en la película, o la madre de la protagonista, que representan los convencionalismos y el rechazo de la sociedad hacia todos los seres anormales o que no son como ellos.

Voyeurs y exhibicionistas.
La Diane de Nicole Kidman es también una exhibicionista, sintiendo el impulso, a veces, de mostrarse desnuda o semidesnuda ante los demás; y una ‘voyeur’, estableciendo otro juego temático que podía dar su salsa. Todo ello queda diluido, siempre al servicio de la evidencia, como en esa relación de alumna y mentor (y de amor), entre Diane y Lionel (Robert Downey jr., obligado a sacar sensualidad y atractivo sólo con su mirada).
Lionel es el enigmático nuevo vecino de arriba, afectado por hipertricosis (enfermedad congénita de exceso de cabello); que liberará a Diane de sus ataduras para mostrarle el camino a seguir para ser ella misma y encontrarse con su arte, y sexualidad.
Pese a sus defectos, hay secuencias magníficas como la de la piscina, o esas imágenes de Diane/Nicole Kidman emulando a Alicia, sea con una misteriosa llave en mano o con su estilizada figura y vestido, caminando sigilosamente, curiosa y palpitante, entre escaleras y estancias, a punto para descubrir ese nuevo mundo de sensaciones que se encuentra enfrente de ella, tras una robusta e inquietante puerta o una arbusta e irresistible mata de pelo. Y que en otro cineasta más inspirado y genuino sí habría logrado fascinarnos.

Valoración: ( ** )

B.S.O.: Programa doble, con "Grindhouse"

2007-05-15T00:06:00.000+02:00

B.S.O. de “Death proof” (Grindhouse)

Dicen que Tarantino está que se sale con “Death proof”, y que Kurt Russell tiene uno de los papeles de su vida en una interpretación, casi autoparódica, como Stuntman Mike, un loco del volante y la velocidad que sólo se satisface del todo asesinando a jóvenes desprevenidas. En definitiva, una serial psycho ‘road movie’, también con Rosario Dawson encabezando el reparto.
Y una banda sonora de lo más variada en una selección cortesía de Tarantino, que incluso recupera a Pino Donaggio (autor de las bandas sonoras de “Piraña”, “Carrie” o “Vestida para matar”). Pero el tema principal, “The last race” es una creación de Jack Nitzsche (“Oficial y caballero”, “Alguien voló sobre el nido del cuco”, “Cruzando la oscuridad”), que con su sonido muy a lo spaguetti-western apunta también por donde irán los tiros, y los homenajes, del nuevo invento del chico de “Pulp Fiction”. Si quieren que les diga la verdad, ¡un temazo! (2’ 39”)

B.S.O. de “Planet terror” (Grindhouse)

Un clima de absoluto delirio y locura, del tipo siniestro-festiva, es el que acompañará esta salvaje e imaginativa incursión en el subgénero de los zombis: “Planet terror”, el otro episodio del ‘programa doble’ de “Grindhouse”, Entre sus protagonistas: una stripper con la pierna amputada(Rose McGowan); un tipo duro (Freddy Rodriguez, el propio hijo del director) y una enfermera (Stacey Ferguson), además de Bruce Willis o Naveen Andrews (el televisivo Sayid de “Perdidos”).
Robert Rodriguez, además de dirigir ha compuesto, con los arreglos de Graeme Revell, el tema principal de “Planet terror”, con acordes de jazz desquiciado, y que parece de lo más adecuado para lo que será esta propuesta. (3’ 30”)

(Para escuchar los temas pulsen en el enlace con el título del tema, o en la barra lateral de la izquierda)

Crítica: "Los fantasmas de Goya" (DVD)

2007-05-14T14:30:00.000+02:00

La caricatura, por su deformación con intenciones críticas; lo grotesco, por su singular mezcla de belleza y fealdad; y el esperpento, por su extravagancia rayana en la ridiculez; requieren para llegar a buen puerto convenientes dosis de genio, e ingenio. Parte de la pintura y los grabados de Francisco de Goya tenían ese don, y la película de Milos Forman intenta seguirle el rastro, recoger algo de ese contenido, de esa forma del autor de “La maja desnuda”.

Goya fue testigo privilegiado de una época crucial de la Historia española, a caballo entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, con las monarquías absolutas, la invasión napoleónica y los ideales de la Revolución Francesa, de los ilustrados, forjados en los conceptos de Libertad, Igualdad y Fraternidad, incluso transmitidos a sangre, fuego y guillotinazo.
Goya vivió todo este periodo de contradicciones, crítico contra el Oficio de la Santa Inquisición, el poder de los nobles y la explotación del pueblo, la mujer y los campesinos. Lo hizo sin involucrarse activamente, por medio de sus obras satíricas, reflejando todo el horror del que es capaz de fabricar o experimentar el ser humano.

¿Dónde vas, Milos Forman?
Y Forman, apoyado en el excelente guionista, y gran conocedor de nuestra Historia, Jean-Claude Carrière, poseía un inmejorable material. Pero, también con la inestimable aportación de Carrière, acaba convirtiéndolo en un desatado folletín de lo más ridículo.
Una joven musa del pintor, Inés (Natalie Portman), hija de un próspero comerciante, es el sujeto elegido por la Santa Inquisición para reemprender sus tareas de caza y tortura de herejes. Encarcelada y humillada injustamente por una simpleza, será sometida a “cuestión”, o sea, a tortura para que confiese; mientras un atribulado Goya intenta hacer algo para ayudarla, y un tal Hermano Lorenzo (Javier Bardem), arribista y chaquetero, experimente las tentaciones de la carne con ella.
No están nada mal sus primeros 50 minutos, pero lo que sigue a posteriori pierde las riendas. No sólo la lección de Historia que pretende darnos es absurda, por evidente y un maníqueismo innecesario, sinó que la planificación cinematográfica de Forman se consuma como televisiva y plana, saturada de planos medios y cortos más propios de un aficionado. Los tiempos de “Amadeus” o “Man on the moon” parecen quedar lejos.
Ello no resta algunas tres o cuatro buenas escenas, como la repentina conclusión del interrogatorio de Inés ante unos muy puestos monjes; o la que nos describe el cuidado proceso de elaboración de los grabados.

Brochazo gordo.
Pero los despropósitos se van acumulando. Ni siquiera sirve que pasemos por alto que, cuando en mitad del metraje un cartel nos indica que han pasado 15 años, el tiempo parece no haber transcurrido para los personajes, sólo en el rostro de Natalie Portman, y por una dentadura postiza que la desfigura.
A pesar de las injusticias y turbulencias que se nos describe, el auténtico delito (cinematográfico), se acentúa con las interpretaciones. Stellan Skarsgard está muy bien como Goya, pero es también un Goya inverosímil: un tipo la mar de simpático y amigable, tras el que resulta muy difícil entrever al artista obsesionado y torturado que pintó los horrores y desastres de su época.
Y lo de Bardem no tiene nombre. Sobreactuado e igual de poco convincente como capellán o como afrancesado, se dobla a si mismo y, aún teniendo en cuenta las dificultades que ello comporta, en frío y casi sin recordar el rodaje; arranca una interpretación de lo más absurda y risible.
Sólo las breves apariciones de Randy Quaid, como el Rey Carlos; y de Blanca Portillo, como la reina María Luísa, deparan algun placer, en una película que acaba convirtiéndose en una fantasmada, y además pintada en brocha gorda, muy gorda. Y aquí aplicaré aquel dicho de: "lo que importa no es como se empieza, sinó como se acaba"...

Valoración: (●)

Crítica: "Dame 10 razones"

2007-05-10T12:48:00.000+02:00

Seguramente (casi) nadie estará dispuesto a pagar ni un céntimo por ver una película como ésta. Sin efectos visuales, sin grandes alardes en su argumento. Sólo un filme “pequeño”, y en el que apenas pasa “nada”.
Pero hace recordarnos que basta con un par de buenos actores, y un guión mínimamente decente, para lograr una buena película. Y nos lo recuerda en apenas una hora y cuarto de metraje; y también con la aparente sencillez de su propuesta y con un interpretándose a si mismo Morgan Freeman, o al menos así nos gustaría, por la simpatía y frescura que destila su personaje. Además de una Paz Vega que sabe estar a la altura como ‘partanaire’ de un actor tan venerado y carismático.

Lo barato no siempre es malo.
Él como un actor que lleva cuatro años en el dique seco, cansado seguramente de venderse a las grandes producciones hollywoodienses por dinero, y ella como la modesta dependienta de la caja rápida de un recóndito supermercado. Los dos cruzarán sus vidas durante un día para hablarnos, sin moralejas ni discursos altisonantes, de algo tan cotidiano como la amistad, o del como seguir adelante día a día, o sobre cómo aprender de los demás. Así de simple, o de complejo.
Detrás de las cámaras, Brad Silberling, curtido en el mundo de la publicidad, y firmante de producciones de mayor envergadura (económica), como “Casper”, “City of angels” o “Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket”; y a quien le gusta, de vez en cuando, desmarcarse con proyectos muy personales, como éste o “El compromiso” (2003), pero sin necesidad de tomarnos el pelo con experimentos tipo Steven Soderbergh & amiguetes.
Y con ello, mejor si la fotografía, naturalista, nos introduce perfectamente en ese mundo tan real como olvidado, deteniéndose incluso en reflejar el techo del supermercado, deteriorado por la humedad y el tiempo; o en los personajes de lo más variopinto, y cercanos, que lo habitan.

Buenas razones cinéfilas.
Ver a Morgan Freeman curioseando entre ventanillas, pasillos y estanterías, con vivacidad y ganas de acercarse y hablar con todo prójimo que se le acerque, o codeándose e intentanto imitar sin cesar a aquellas personas que le parecen singulares para aprender, para sentirse vivo y para, en definitiva, ¡disfrutar como un niño! resulta impagable, al igual que la escena en que Paz Vega le enseña a cantar, en castellano, “Al pasar la barca”.
Todo ello más que suficiente para hacernos llegar hasta el final con una sonrisa de satisfacción, y para descubrir, sinó diez, al menos algunas de las razones para reencontrarse con el buen cine. Seguramente, a las dos semanas de estreno, ya no esté en cartel, pero al menos cuando llegue en DVD o a la pequeña pantalla, éste les puede sonar como uno de esos títulos que valen la pena no dejar escapar.

Valoración: ( *** )

B.S.O.: Comedia y humor de los 80 y 90 ( 5ª parte )

2007-05-07T01:05:00.001+02:00

B.S.O. de “Cocodrilo Dundee” (Crocodile Dundee, 1.986)

Hasta entonces, un desconocido en el mundo, pero muy famoso en su país de origen, Australia, por su ‘show’ cómico, Paul Hogan se apuntó, a sus casi 47 años, uno de los mayores taquillazos de los ochenta con “Cocodrilo Dundee” (1986). A medio camino entre Paco Martínez Soria y Borat, nuestro héroe es un curtido aventurero y cazador de cocodrilos descubierto por una reportera de Nueva York que le llevará hasta la gran urbe. Allí, la sencillez de su visión de las cosas chocará con el estresante y frío día a día en la gran metrópoli.
La esposa de Hogan, Linda Kozlowski, interpretaba a la reportera ‘partenaire’; y el guión fue escrito por el mismo Hogan y su manager, John Cornell; lo que demuestra que el proyecto se hizo prácticamente en familia. El autor de la banda sonora fue Peter Best, prolífico compositor, en Australia, pero poco conocido internacionalmente, cuyo ‘score’ más popular fue precisamente el que elaboró para “Cocodrilo Dundee” y su segunda parte, en 1988. En cambio, para la tercera, “Cocodrilo Dundee en Los Ángeles” (2001), se recurrió a Basil Pouledouris. El tema overture recoge todos los elementos de comedia, romance, aventura, intriga; y aunque tal vez no pase a la historia, su audición es de lo más satisfactoria. (3’ 09”)

B.S.O. de “Atrapado en el tiempo” (Groundhog day, 1992)

Si se elaborara una lista con las diez mejores comedias de los noventa, en esta relación, y en un lugar destacado, debería aparecer “Atrapado en el tiempo” (1992), o la increíble historia de un televisivo hombre del tiempo, gruñón y egoista, que, desplazado hasta una pequeña localidad estadounidense donde se celebra “el día de la marmota”, quedará pillado por alguna paradoja espacio-temporal, y condenado (o no), a repetir el mismo día una y otra vez.
Una comedia excelente protagonizada por Bill Murray y Andie MacDowell. Y y pese a lo fantasioso que pueda parecer su argumento, en realidad, trataba sobre el hecho que un día, por distinto que sea en el calendario, siempre acaba pareciéndose al siguiente, y así, hasta caer en peligrosas o aburridas rutinas cotidianas. En su momento, aquí fue incluso acusada de "inspirarse" en un cuento de Pere Calders. En cuanto a la música, a cargo del espléndido George Fenton, destaca la suave melodía de “A new day” (1’26”), o “The ice sculpture”, éste segundo, otro de los preferidos de Álex , un precioso e imprescindible tema, en su aportación, muy especial, a este monográfico sobre música de comedia y humor. (1’ 39”) y (2'04").

( Para escuchar los temas, pulse en la barra de la izquierda o en el enlace del tema )

Crítica: "La fuente de la vida"

2007-05-04T12:28:00.000+02:00

Todo buen aficionado al cine hallará en este tercer largometraje de Aronofsky al menos dos buenos motivos para sentirse feliz. Uno es que consolida al autor de “Réquiem por un sueño” como alguien que busca crear y experimentar tanto en las imágenes como en el montaje y el resto de elementos cinematográficos, sin acomodarse a lo fácil. El otro es certificar que este director nacido en Brooklyn se consolida como el cineasta de la obsesión.
Así lo confirma tanto la repetitiva temática, como la estructura, jugando a tres tiempos: pasado, presente y futuro; que se corresponden con imaginación y realidad, y con la superación de un momento fatídico, la inminencia de la muerte, caso del personaje de Izzi (Rachel Weisz); y el dolor ante la pérdida de la persona amada, caso del protagonista Tom (Hugh Jackman). Un científico que lucha contra el tiempo para encontrar lo imposible, la cura contra un tumor irreversible y que, en coherencia con la poesía que destilan sus imágenes, éste remedio, por imposible o soñado, adquirirá forma de árbol de la vida en la América Central, o de nebulosa de nombre mítico, Xybalba.

De la Tierra al cielo.
Pero lo real es que se topará con el legado de su esposa en forma de libro; el auténtico remedio para él, para seguir viviendo y superar su desesperación, y haciendo buena una de las metáforas que encierra la película, la de como nació “el árbol de la vida”, y una de las frases de Izzy, la que “la muerte puede ser un acto de creación”.
Adornada con múltiples referencias e iconos cristianos,budistas y mayas; la eterna búsqueda del ser humano por hallar la inmortalidad requiere tanto de iconos científicos y fantásticos como religiosos. Mientras que esa “creación” viene representada por la herencia de Izzi, un libro inacabado que es el fruto de una relación y una vida, a falta de descendencia en forma de hijos.
Es uno de esos filmes que merecen un segundo visionado (como he hecho yo), o más; pese a lo fallido de sus propuesta. La reiteración y la obcecación como principales recursos en una película, ni aunque sea a modo de poema, tiene sus limitaciones y peligros. Está condenada al fracaso, o a la incomprensión, si no está tocada por auténtica genialidad. Una cualidad que Aronofsky, o su Tom en la fuente de la vida, roza sin alcanzar.

A medias tintas.
Las escenas que se corresponden con la parte den Centroamérica posiblemente sean de lo peor filmado por Aronofsky; y el continuo embelesamiento por sus imágenes, algunas muy poderosas visualmente, como la burbuja espacial; así como el ensimismamiento en los mecanismos de su montaje impiden avanzar, enriquecer, sugerir o cerrar lo, por otra parte, loable de su propuesta.
La sensación es que lo ha intentado, que casi hay estaba y lo lograba. Sin embargo, la experiencia deja al final mucho que desear.
Aronofsky no ha sabido redondear su obra, y se encomienda a un batiburrillo de imágenes finales que buscan desesperadamente acabar de sugerir, de dar sensación, rápidamente, que hay algo más en su propuesta, que lo que nos está contando es grande, pero sin saber el que. Y acaba convertida en un quiero, pero no puedo, o en una versión “new age” de "2.001, una odisea del espacio”, lo cual tampoco es malo, pero tampoco la hace mejor.
En el fondo, la simpleza, que no deja de ser extraordinaria, de lo que nos cuenta, necesitaba de otro tono. Aunque siempre nos quedará, ni que sea de rebote, esa declaración de amor del cineasta hacia su propia compañera en la vida real, Rachel Weisz; la magnífica partitura de Clint Mansell o el jugo de la libre interpretación, para quien lo desee, de sus iconos, imágenes, secuencias y temas.
Pero Aronofsky ha hecho trampas, queriendo aparentar que lo que narra es "muy" importante, quedándose, tanto él, como Tom, a medias en su viaje.

Valoración: ( ** )

Crítica: "Tú la letra, yo la música"

2007-05-02T12:33:00.001+02:00

¡No se rían todavía! Pero les hablo de una comedia procedente de los EE.UU. que es divertida. ¿Se empieza a divisar alguna sonrisa incrédula en sus rostros? Pues, esperen, añadiré que es una comedia romántica con Hugh Grant que no sólo evitar causar vergüenza ajena, sinó que además es buena. ¡La sonrisa se ha vuelto maliciosa y descreída, ¿eh?
Y todavía he de decir que contiene dialógos brillantes e ingeniosos, no todos, pero haberlos, hay… ¡por favor! ¡Conténganse las carcajadas!… No es ciencia-ficción, es una realidad.
Y eso, con el tiempo que hacia que no veía una comedia romántica de Hugh Grant, con esa manía suya de interpretar una y otra vez el siempre personaje, con los mismos 'tics' de bobalicón simpático y seductor, de niño grande. Aquí protagonizando de nuevo, esta vez junto a Drew Barrymore, un entretenimiento pensado con la fórmula de autodestruirse una vez visto, pero que deja un poso más que agradable.

Recuperando la gloria.
Su arranque es de lo mejor, con un video-clip al estilo ochentero, y un dúo que se inspira en los Wham, integrado por George Michael y Andrew Ridgeley, y de quien el personaje de Hugh sería un émulo de Ridgeley.
Y si piensan que el video-clip es hortera, desfasado y cutre, aún deja en evidencia la televisión de hoy mismo, del siglo XXI. Por ejemplo, en contraste con la carátula de presentación de un programa llamado “Batalla de estrellas”, que aparece en el filme, y que intenta ser un “American idol” de viejas glorias del pop, es peor.
Y la típica estructura de chico-conoce-chica, chico-pierda-chica y chico-recupera-chica haya aquí su detonante en una diatriba que nunca está de más, la de venderse a las leyes del mercado, sin importar que se vulgarize una obra, o mantenerse fiel a uno mismo y a su creación.
Esta disputa será el tercero en discordía entre la pareja formada por Alex (Hugh Grant), vieja gloria del pop que repite el mismo movimiento pélvico y los mismos hits de antaño, combinado con actuaciones estelares ante un público de cuarentonas, sus antiguas fans; y Sophie (Drew Barrymore), una jardinera de andar por casa, marcada por un trauma sentimental y profesional en el terreno de literatura, y que es la autora de la letra para la canción que necesita Álex para volver a recuperar al menos parte de esa fama pedida.

Canciones que dan el pego.
El guión tendrá sus tonterías, como ese recurso fácil de la comedia estadounidense de no apartarse demasiado de los cánones establecidos, o de meter siempre, como sea, una presunta escena graciosa en un restaurante. Pero también posee buenas réplicas y diálogos (“Nada madura en Florida. ¡Sólo las naranjas!”).
E incluso perfila bien la parodia de Cora (Haley Bennett), una diva ficticia de la canción, híbrido entre Shakira, Britney Spears o Christina Aguilera, y que dota sus coreografías, ropajes y temas de una extraña mezcla de espiritualidad budista y sexo explícito;. Una muchacha que en realidad esconde en su interior a una chiquilla igual de inmadura que los personajes de Grant.
Entre los secundarios, siempre necesarios en cualquier comedia que se precie, destaca Kristen Johnston, como Rhoda, la hermana de la protagonista, y una de las admiradoras incondicionales de Álex, que está divertida sin recargar en exceso. Y las canciones, como “Pop! Goes my heart” y la principal, “Way back into love”, son un disfrute absoluto, compuesta, la segunda, por Adam Schlesinger (cofundador y cantante de los Fountains of Wayne, un grupo de gran prestigio en los EE.UU., prácticamente desconocido aquí). Tanto Drew como Hugh no lo hacen nada mal cantando, y en su conjunto, se revela como una diversión a gozar sin prejuicios.

Valoración: ( *** )

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película.
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

B.S.O.: Comedia y humor de los 80 y 90 ( 4ª parte )

2007-04-30T01:24:00.001+02:00

B.S.O. de “Superdetective en Hollywood” (Beverly Hills Cop, 1984)

A los 23 años, un joven, desconocido y, sobre todo, locuaz Eddie Murphy sorprendía con un taquillazo mayúsculo en los EE.UU., un policia de Detroit involucrado en un caso de traficantes de droga que le llevará a las puertas mismas de Beverly Hills. Acción, humor y desparpajo en una comedia que dirigió Martin Brest (“Esencia de mujer”).
La banda sonora, salpicada de canciones, se vendió como rosquillas, y el tema principal, de “Axel F” fue, en su momento, uno de los ‘summums” de lo moderno y trepidante. Lo cierto es que aún hay algo en ese ritmo, ya algo desfasado, que sigue enganchando. Su compositor fue Harold Faltermeyer, autor de otra partitura de estilo parecido que lograría destacar, la de “Fletch, el camaleón”, con Chevy Chase. (3’ 02”)

B.S.O. de “Todo en un día” (Ferris Bueller's day off, 1986)

Uno de los jóvenes iconos de los ochenta, Matthew Broderick, protagonista en “Juegos de guerra” (1983) o “Lady Halcón” (1985), estuvo bajo las órdenes de otro de los directores más representativos de la comedia adolescente de los ochenta, John Hugues, para relatarnos la odisea de un chico de 17 años que, aprovechando la ausencia de sus padres, decidirá disfrutar de todo aquello que habitualmente no puede hacer, en compañía de su novia, Mia Sara (“Legend”, 1985).
Y uno de los temas de su banda sonora es también uno de los elegidos por Álex, de Antarctica starts here, como uno de los mejores en comedia de la década. Les dejo con sus palabras, las de Álex: “El bellísimo tema de los Smiths, “Please, please, please let me get what I want”, instrumentalizado por Dream Academy, suena en la escena del museo. Fue la película que cerró todo un género. El paso final hacia la madurez de su director, John Hugues. Creo que será justo homenaje aun género que marcó la década de los ochenta”. (3’ 06”).

( Para escuchar los temas, pulse en el enlace del tema o en la barra lateral )

Crítica: "Happy feet: rompiendo el hielo" (DVD)

2007-04-28T20:41:00.000+02:00

La idea de “Happy feet: rompiendo el hielo” es de lo más atractiva. Un individuo solitario, aunque en este caso pertenezca a la especie de los pingüinos emperadores, peculiar y despreciado por sus semejantes por algun defecto que lo hace "distinto" o porque no se ajusta a las normas.

Sin embargo, tan pequeño e incomprendido ser se enfrentará a todo lo que es aconsejable, contra los de su propia comunidad, contra los de su misma especie, e incluso contra unos seres muchísimo más numerosos y poderosos que él (los humanos) para cambiar las cosas, a mejor.
Un acto de heroicismo sin precedentes. Y también un acto romántico, más allá de su historia de amor con otra pingüina, ante éste Fred Astaire “sólo ante el peligro” y una lucha por la defensa de sus características personales, con sus defectos y virtudes; y por la defensa de su colectivo.

Fórmula con éxito.
Y su exitazo, sobre todo en los EE.UU. se debe a otro descubrimiento totalmente imprevisto, el de la fascinación que pareció ejercer la figura y vida del pingüino emperador a partir del documental “El viaje del emperador”, dirigido por el francés Luc Jacquet. Al igual que los dinosaurios que puso en boga Spielberg, Jacquet ha logrado casi un efecto parecido con estos palmípedos.
Técnicamente, la factura es excelente; y el guión, sin complicarse demasiado, recurre a todos los tópicos sobre la amistad, el coraje, el amor o el valor de ser diferente. También a los lugares comunes en cuanto a personajes en plan colegas, divertidos o extravagantes. Lo que la hace de digestión fácil.
Mientras, los villanos brillan por su ausencia, aunque aparezca, esporádicamente, alguna foca leopardo con malas pulgas, o pululen por allí sectarios e intolerables mandamases de la comunidad de pingüinos, materializados en otra especie, la de los predicadores fanáticos que adoran a falsos ídolos y velan por el correcto cumplimiento de las tradiciones y creencias, o séase, de la perpetuación de su poder.

El pingüino valiente.
Y el australiano George Miller, creador de sagas míticas como las, ya lejanas, de Mad Max o la memorable de “Babe, el cerdito valiente”, no renuncia a conferirle alguno de sus toques siniestros, como en esa caracterización de la foca leopardo; o la presencia, amenazante, de los elefantes marinos o los buques anclados de los humanos. Todo ello se sazona además con números musicales y canciones, para intentar animar al personal, y darle de paso una buena salida a la venta de la banda sonora.
No es que logre mantener el interés a lo largo de toda su propuesta, a pesar de espectaculares escenas de acción, o de sus coreografías, pero aún así, esta suerte de “Mumble, el pingüino valiente” es muy superior a la aburridísima y monótona “La edad de hielo 2”.

Valoración: ( ** )

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película, ¡si señor!
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

Crítica: "La vida en rosa"

2007-04-26T00:27:00.000+02:00

Acercarse a la última escena de una película intuyendo que ésta te va a llenar de emoción es una excelente prueba que la historia, y los personajes, han logrado calar.
Así sucede con la biografía de Edith Piaf que ha realizado, con solvente eficacia, y además sabiendo resolver extraordinariamente algunos de sus momentos clave, el francés Olivier Dahan.
El “Non, je ne regrette rien” (“No, no lamento nada”) de Piaf adquiere toda su dimensión y sentimiento, el canto del cisne de una vida no precisamente de color de rosa, y de una voz prodigiosa. Yla la película sería imprescindible únicamente por un elemento: la sorprendente y creíble interpretación de Marion Cotillard, y de la pequeña Marion Chevallier (Edith, a los 5 años).
Por lo demás, analizar la trayectoría de Dahan, director de “cosas” tan mediocres y olvidables como “Los ríos de color púrpura 2” no sirve de referencia.

Imágenes al detalle.
Y pese a que este ‘biopic’ se empeña en estructurarse alrededor de varios ‘flash-backs’ temporales, desde la vejez a la infancia, que pueden romper fácilmente el interés por el hilo de la narración, lo cierto es que acaba confiriéndole un valor añadido a este mosáico de hechos. Su estructura no se adapta a lo más cómodo. Más bien es anti-comercial.
Olivier Dahan también casi se precipita en otro posible error, o tópico, al hacer que sus imágenes sean lo más preciosistas posibles, cuidadas hasta el mínimo detalle, o haciendo que incluso una sencilla escena en un cementerio esté plagada de imágenes que parecen de postal. Ideales para enmarcar.
Pero los decorados excelentes, al igual que la fotografía, se convierten en otra cotización adicional. La atmosfera creada por los colores logra que nos metamos en un estudio de grabación, en un cabaré de mala muerte, en un palacio de la música o en el dormitorio de la misma Edith.
Momentos como el primer encuentro entre ella y su gran amor, el boxeador (Marcel CerdanJean-Pierre Martins), en una hamburguesería típicamente yanqui consigue implicar al instante gracias a ese esmero puesto en la recreación del diseño de producción. Los ambientes se convierten (necesariamente) en otros personajes más.

Un gorrión a lo grande.
Como señalaba, la puesta en escena no hace aguas, al contrario, mejora, en aquellos puntos culminantes donde no debe equivocarse: como en uno de los grandes debuts de la Piaf ante un público selecto (cuando aprende a cantar moviendo las manos, y que se escenifica sin el sonido de su canción).
O una magistral escena, de la que no desvelaré demasiado, donde una alegre Edith se pasea por entre las estancias de su casa, mientras se topa con otros personajes de semblante afligido. Aquí Dahan emplea un recurso de inspiración teatral pero magnificamente llevado al cine. Uno de esos momentos en los que, como al final, pediría que parasen la proyección: para aplaudir y para solicitar que volvieran a pasar la escena de nuevo.
Y la caracterización que realiza Marion Cotillard es tan buena que incluso se le puede perdonar a los responsables de maquillaje el que las arrugas y la frente postiza de una Piaf moribunda canten más que sus inmortales éxitos.
Éxitos alumbrados bajo los suburbios parisienses, entre borrachos, prostitutas, macarras, ladrones, asesinos, y otro gente de mal vivir. Con una voz capaz de seducir a hombres y mujeres, tanto a una estrella como Marlene Dietricht como a las meretrices de Pigalle; y una película que, al menos, no desmerece a “la niña gorrión”.

Valoración: ( **** )

B.S.O.: Comedia y humor de los 80 y 90 ( 3ª parte )

2007-04-24T00:16:00.000+02:00

B.S.O. de “Aterriza como puedas” (1980)

El trío conocido como ZAZ (Jim Abrahams y los hermanos Jerry y David Zucker) fue demodelor logrando algunos de los mejores títulos de humor de los ochenta y principios de los noventa. Con “Top secret”, o las series de “Agárralo como puedas” y “Aterriza como puedas”, ésta una parodia hilarante de los “Aeropuerto” y que (junto a las comedias de Mel Brooks), iniciaban toda la serie de parodias, al estilo “Scary movie”, o tantos otros productos que recogen, en clave de humor, las escenas de películas más míticas y populares.
Y teniendo en cuenta que “Aterriza como puedas” empieza con una imágenes del cielo y nubes que parecen el océano; y por entre ellas se asoma una aleta, que no es la de un escualo, sinó la de un avión, ¿Qué notas deberían acompañarlas? Homenajes a John Williams, incluyendo “Star wars”, o al melodrama clásico Hollywoodiense, aderezado con las dosis suficientes de locura y desenfreno. Esta fue la partitura del maestro Elmer Bernstein para la ocasión, como demuestra esta “suite”. ( 2’ 40”)

B.S.O. de “Matinee” (1993)

Todo un homenaje a la serie “b” en el género fantástico, ciencia-ficción y terror; a cargo de Joe Dante (“Gremlins”, “El chip prodigioso”). Especialmente a artesanos como William Castle, el creador de los “gimnicks” (trucos publicitarios), y también efectos especiales en directo desde la sala de cine. Por ejemplo, Castle utilizó esqueletos volando por encima de los espectadores (el "emergo"), dispositivos que pinchaban desde la butaca (el "percepto") o hacia seguros de vida a los atrevidos que acudían a ver sus películas.
En “Matinee”, John Goodman es un avispado productor que aprovecha la histeria popular por una crisis nuclear, desatada con el conflicto de los misiles en Cuba, para estrenar una producción, con toda clase de trucos durante la proyección, con la que asustar al personal. Continuando con esa colaboración estelar de Álex, de Antarctica starts here, podrán oir uno de sus temas preferidos en el género, el tema de apertura "coming attraction", en una banda sonora compuesta por el maestro Jerry Goldmisth, y en el que prevalece ante todo ese clima de nostalgia y homenaje entrañable. (2’ 12”)

Crítica: "A scanner darkly" (DVD)

2007-04-21T12:42:00.000+02:00

Música de jazz quebrada, y las alucinaciones de una mente alterada por el consumo de drogas se manifiestan en forma de malditos insectos, que aparecen y se reproducen por todas partes.
La secuencia de apertura de “A scanner darkly” es un magnífico inicio. Con el añadido que su gracia incuestionable ver transformados en dibus a Keanu Reeves, Winona Ryder, Robert Downey jr. o Woody Harrelson, en unos trazos hiperrealistas, que acentuan lo grotesco y lo bello. Una de las más originales maneras de adaptar la riqueza de los textos de Philip K. Dick que, en esta ocasión, conocido es que concibió el relato como un ajuste de cuentas contra la droga, impulsado por aquellos amigos suyos que fallecieron o se volvieron “replicantes” irrecuperables por culpa de su adicción.

Orden y caos.
El futuro orden policial que desea controlar a todos sus ciudadanos; la confusión de la realidad y de pérdida de la consciencia, son elementos característicos del autor de “¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?”. Y que Richard Linklater recoge en un film irregular, pero de indudable interés, y un guión que es casi primo hermano de cualquiera que pudo haber escrito Charlie Kaufman (y que no acabó colaborando en el proyecto por los pelos). Recurriendo para ello a la técnica de animación de la rotoscopia: primero filmar en imagen real y después dibujar sobre ellos, los decorados y la acción.
Pero la irregularidad queda manifestada en su tramo central, recreándose demasiado en las neuras de sus personajes, banalizando y mirándose al ombligo sin avanzar.

Criaturas y musas.
Hubiera quedado casi perfecta con sólo una hora de duración. Pero también nos hace llegar hasta un final desolador, hermoso y triste, que nos aproxima a la necesidad del sacrificio.
En medio va desgranando imágenes que sólo lo técnica de la animación puede lograr que sean de lo más creíbles, como ese disfraz mutante, o apariciones de criaturas que se dedican a leer las faltas y pecados cometidos por uno, y que harían las delicias de un Cronenberg o William S. Borroughs.
Además, divertídisima “interpretación” de Robert Downey jr, y una de las mejores de Winona Ryder, y es que la llamada musa de la generación “X”, desconozco si apartada o no de sus tendencias cleptómanas, últimamente se prodiga tan poco en cine.

Valoración: ( *** )

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película.
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

Sesiones dobles: "2.046" / "Deseando amar" de Wong Kar-Wai

2007-04-17T01:09:00.001+02:00

Primer trayecto: recalando en "2.046"
Hay un tren que corre hacia delante; pero en el que sus pasajeros se empeñan en avanzar, una y otra vez, hacia atrás. Debido a este curioso efecto, las paradas son intemporales, casi situándose caprichosamente en distintos puntos del tiempo y el espacio.

Lo único claro parece ser su destino: la habitación 2046, donde nunca cambia nada. De la que algunos parecen salirse con facilidad; la mayoría, nunca.
Si se requiere, por el trayecto, el viajero puede disponer de una androide, una “auxiliar de cabina” la llaman. Ella puede aliviar sus ansias. Es la perfección, y también pura frialdad. La regla es que nadie debe enamorarse de ella, jamás. Se le puede confiar los secretos, sensaciones y suspiros, pero no comprenderá. Quizás, quizás, quizás…

Segundo trayecto: recalando en "Deseando amar".
Y, como en ese tren, seguimos retrocediendo. Una pareja va enamorándose. Sus idas y venidas parecen ser las mismas; confundiéndose en su ritual de encuentros y desencuentros. Mientras, el humo de un cigarrillo nos recuerda que todo es efímero, que la felicidad está hecha a retazos de instantes.
Deseando amar, y retener ese momento perfecto. Para ello acudiré a lo que sea, a los recuerdos, a las canciones, a rememorar los gestos de la persona querida, sus palabras, a pronunciar su nombre, sea en voz alta o en lo más íntimo de nuestra mente. Y ello se efectuará a costa de comprometer el propio futuro, porque no se puede o quiere renunciar a ese pasado.
Wong Kar-Wai, desde Hong Kong, nso habla de aquello que no es posible tener y que, sin embargo, se posee para siempre.
Es una contradicción y un enigma, pero al mismo tiempo real y humano. Las claves están en la habitación 2046 y en ese deseo de amar.

Tercer trayecto: recalando en "2.046"
En "2046", película compleja, sugerente, fértil y abierta a numerosas lecturas, se nos introduce en un tren que es el del intento de seguir adelante. Pero nuestros recuerdos nos conducen hacia esa recóndita habitación que apunta hacia la memoria y el pasado, obligándonos a recalar en distinto puntos de nuestra existencia, en aquellos que nos han marcado. ¿Qué difícil es escapar a los recuerdos? Tal vez haya personas que consigan olvidar y rehacerse enseguida; la mayoría, nunca.
Por el camino podemos encontrar a otros que actúen como auxiliares, que calmen, ni que sea levemente, nuestra necesidad de cariño y sexo. Pero en realidad nadie puede escapar al sentimiento ni al recuerdo. Aunque sea por el simple roce prolongado con lo más humano, incluso una androide puede adquirir, con efectos retartados, cualidades humanas.

Cuarto trayecto: recalando en "Deseando amar"
Antes, con "Deseando amar", Kong Kar-Wai había puesto el "2.046" en la puerta de la habitación de los dos amantes, un número que se convertirá en ese lugar y momento deseado por el protagonista. Y ¡todos tenemos ese espacio idílico!
También había sentado cátedra en sus postulados. Los gestos y miradas de los amantes; los instantes que apenas permanecen unas fracciones de segundo; la repetición cíclica de los hábitos y conductas; el laberinto espacio-temporal de los recuerdos y los secretos; y la exquisita atención en los detalles.
En esos amores imposibles, en esos momentos insubstituibles, reside la esencia del anhelo, del tormento y la felicidad. Wong Kar-Wai se ha erigido como el cineasta del deseo y la memoria. A degustar con los sentidos, a sublimar con la reflexión.

Este post ha surgido como idea e iniciativa de los blogs The Observer y Natalia Book.

Blog organizador: The Observer, de Jazzman.

Blogs participantes: Books&Films, ¿Y si esta vez te quedaras?, Cineahora, Cinematic World, El día del cazador, El séptimo arte, El diario de Mr. Macguffin, Marco Velez, Himnem, Fabrica de ilusiones, Padded Room: Chronics floor, El lamento de Portnoy, La mujer justa, Bogotá 35MM, Ojo de buey, Viaje a Itaca, Sesión Doble, Ekilore, Rulemanes para Telémaco, Arteyliteratura, La linterna mágica, Rod@ndo, El trono de Hatti, Palabras ocultas, Mitte, The Observer

B.S.O.: Comedia y humor de los 80 y 90 ( 2ª parte )

2007-04-15T21:21:00.000+02:00

B.S.O. de “Al filo de la noticia”
(Broadcast News, 1987)

En su momento fue bendecida con un montón de nominaciones al Oscar. Su director, James L. Brooks, galardonado con la preciada estatuilla por “La fuerza del cariño” hacia tan sólo cuatro años, y a punto de ser uno de los productores ejecutivos de “Los Simpson”, era uno de los grandes valores del mundo del espectáculo estadounidense. Sin embargo, “Al filo de la noticia” no consiguió mayor repercusión, incluso hoy en día no es un título demasiado recordado o citado.
Alrededor de su trío protagonista, una audaz periodista, Jane (Holly Hunter), que se debate entre el amor de un arribista compañero, Tom (William Hurt), y de otro más idealista y discreto, Aaron (Albert Brooks), en un medio tan competitivo y estresante como es el mundo de las noticias, y primicias, por televisión; el extraordinario Bill Conti elaboró un bellísimo tema principal, con el piano como presencia especial, y que rezuma dinamismo y actividad en uno de esos temas vibrantes. Les recomiendo que suban el volumen de sus altavoces y lo disfruten. (1’ 19”).

( Para escuchar los temas pueden pulsar en la barra lateral izquierda o en el enlace con el título del tema )

B.S.O. de “Elegidos para el triunfo”
(Cool runnings, 1993)

La idea de meter a unos jamaicanos, más bien acostumbrados a tostarse bajo las palmeras, y ponerlos a competir por el medallero olímpico, pero en los juegos de invierno de Calgary (Canadá), parece de lo más descabellada. Aún así está inspirada en un hecho real, el del primer equipo jamaicano de bobsleigh.
Y Jon Turteltaub (“La búsqueda”), con todas las connotaciones positivas de estos adejtivos, firmó una comedia tan simpática como divertida y emocionante. Su éxito en los EE.UU. fue arrollador, pero los “jamaicanos” pincharon en la taquilla internacional. Un por entonces Hans Zimmer que ya empezaba a despuntar, a pocos años vista de escribir su partitura para “La roca”, logró colar una música entre el estilo jamaicano y el más solemne, propio de unas olimpiadas, entre las canciones que poblaban la banda sonora. Como el tema Countrylypso, no demasiado conocido, pero excelente. Ah! Y no se olviden de subir el volumen. (2' 48").

Crítica: "El buen pastor"

2007-04-13T12:26:00.001+02:00

Una imagen resume al protagonista de esta historia, a un ficticio agente de la CIA que llegaría a ocupar un alto cargo en la Agencia, y es la de un hombre impasible, andando a paso firme, pero avanzando completamente solo, aunque le rodee gente; agarrado a su maletín y vistiendo, como casi siempre, gabardina y sombrero.

Determinación, soledad, secretos, poder, meticulosidad, impasibilidad, cálculo… y un tipo gris, supeditado a su trabajo y función por encima de todo, son connotaciones que se extraen de la silueta de este Edward Wilson, interpretado por una contención expresiva de Matt Damon que encaja perfectamente con el personaje, inspirado en dos directores reales de la CIA, James Jesús Angleton y Richard Bissell. Y metido en un pasadizo que recoge más de 30 años de historia estadounidense y de los mecanismos de control y espionaje (parece que) necesarios para mantener a una nación en su liderazgo mundial.

Estrellas y cineastas.
Un recorrido aderezado con las presencias de excelentes secundarios para la ocasión, como William Hurt, Alec Bladwin, John Turturro, Michael Gambon o Timothy Hutton, por la parte masculina, y Martina Gedeck, una maravillosa Tammy Blanchard (como Laura, el gran amor del protagonista) o una Angelina Jolie, bellísima, pero un mero jarrón de adorno para animar la venta de entradas.
Y detrás de las cámaras, y con aparaciones breves ante ellas, nos topamos con Robert DeNiro, adaptando las formas de su estilo, elegantes y cuidadas, también frías y severas, al contenido del relato. Lo que en manos de Oliver Stone habría sido una orgía desenfrenada de planos y montaje. Que de haber dirigido Coppola (relegado aquí a tareas de producción), nos acercaría a un tratamiento casi operístico de las sociedades secretas, sean de contraespionaje o de sectas, como la “skull & bones”, y los personajes que las nutren; o que de haber realizado Scorsese habría aumentado el pulso narrativo de esta crónica de “uno de los nuestros” en el mundo de las cloacas del poder. Pero, DeNiro, prefiere acercar su visión con una sobriedad más propia de Clint Eastwood, sin alcanzar su maestría.

La religiosidad del poder.
Las miradas imperturbables, los enigmas y conspiraciones se suceden en una película que mantiene su interés. Además, salpicada por frases contundentes, de las que crean escuela y sueltan de vez en cuanto alguno de sus ilustres invitados. Pero que en su camino se olvida de insuflar más vida, de lograr implicar más al espectador en esta mera sucesión de hechos e ir y venir de personajes.
Su visión es como situarnos en la piel del propio Edward Wilson, que puede presenciar como se tortura a un sospechoso de la misma manera que contempla como se va destruyendo su matrimonio, imperturbable y sin mover una ceja. Hielo por fuera, y dejando que la procesión vaya por dentro. Esto es lo que se le pide a un director de la Agencia, el saber estar en su sitio; y también al espectador en esta mirada, repleta de crítica, y de resignación, a una CIA que quiere asemejarse a un omnipresente Dios, con sus ojos y oídos en todas partes para informar y desinformar en aras de la supremacía de su Estado.
Y el jefe de todo esto se convierte en “El buen pastor”, el mesías elegido para asegurar que las doctrinas y mecanismos, casi religiosos, de un Estado, el auténtico Dios entre los mortales, se perpetuen. Pero, entre medio, uno también echa de menos que alguien hubiera aligerado bastante más el desmesurado metraje.

Valoración: ( ** )

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película, ¡si señor!
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

Clásicos: "Cielo sobre Berlín" (1987)

2007-04-10T21:46:00.000+02:00

Lo que no conocen los ángeles. Aunque tocados por el don de la inmortalidad, y de la bondad, son simples testigos de lo que hacen los humanos. Su visión es en blanco y negro y no son capaces de notar ni tan siquiera las gotas de la lluvia sobre su cabeza. No saben que el rojo es el color de la pasión, o de la sangre. No entiende de dolor, pero tampoco de sentimientos.

Hacia tan sólo tres años que Wim Wenders había convencido definitivamente a los cinéfilos con “Paris Texas” cuando en 1987 afrontaba su obra más ambiciosa, “Cielo sobre Berlín”, también conocida como “Las alas del deseo”. En ella, dos ángeles Damiel (Bruno Ganz) y Cassiel (Otto Sander) observan a las criaturas humanas y les acompañan, aunque sólo sea por unos instantes, para insuflarles ánimo y sensatez. Pero esta existencia demasiado espiritual se revelará insuficiente para uno de ellos, Damiel, y más cuando sienta los coletazos del deseo al acercarse a una muy terrenal trapecista, Marion (Solveig Dommartin, por entonces la compañera de Wenders).

Entre el cielo y la Tierra.
Las imágenes son prodigiosas. La composición de los planos se distribuye en una geometría perfecta. Los planos aéreos adquieren una misticidad única. Y la interpretación de Bruno Ganz, mucho antes que se pusiera bigote para dar vida, en esa ocasión, a un demonio llamado Hitler en “El hundimiento”, es de las que hacen época.
Impresionantes son sus primeros planos. Y el balanceo de Marion, con sus alas de pega circenses, de lo más tentador.
Y aunque sólo sea por una secuencia, una sola secuencia, la visión de “Cielo sobre Berlín” ya merece la pena. Ésta es la de la biblioteca, un espacio que es cuna de nuevos conocimientos e ideas, pero que también se convierte en el refugio de los ángeles, mientras la cámara se mueve entre sus pasillos, dependencias y plantas como si fuera etérea. Una cámara suave, elegante y delicada, también agraciada por la espiritualidad y lo imperecedero.

La materia de los pensamientos.
Wenders realizó un poema de amor a la humanidad. Y todo sería perfecto como para alcanzar el éxtasis, si no fuera por…
Si no fuera por ese guión, firmado al alimón por Wim Wenders y Peter Handke, repleto de reflexiones en voz alta, de pensamientos a medias, de divagaciones que no conducen a nada, con resultados a veces demasiado ingenuos, otros excesivamente pretenciosos.
Tal vez la materia de los pensamientos este hecha de todo este entramado de medias tintas, de lo sublime a lo más simple, pero su espeso devenir hacen que las dos horas de metraje pesen como una losa.
Y es que este paseo por los sentimientos y la memoria, por los hechos más trágicos de la Historia, o entre los nuevos ritmos que apuntan el futuro, debería ser sólo una película de imágenes, dejando que el fluir de sus secuencias nos permitiera tocar el cielo, el de las trapecistas, el de los ángeles o el del cine.

Valoración: ( *** )

B.S.O.: Comedia y Humor de los 80 y 90 ( 1ª parte)

2007-04-08T22:51:00.001+02:00

( Para escuchar la música pueden buscar en la barra lateral de la derecha o pulsar en el enlace de la duración )

Invasiones extraterrestres, ladrones de poca monta, periodistas en acción, paradojas temporales, pasiones volcánicas, actores y secretarias dispuestas a todo para lograr sus propósitos…
Ya ven que el tema da mucho de si. A lo largo de las próximas semanas iré publicando un monográfico sobre los mejores bandas sonoras de comedias y humor de los años 80 y 90, correspondientes a producciones anglosajonas, y quedando excluídas las películas de animación.
El recorrido se compone de 20 temas, divididos en 10 entregas, y que contarán con la colaboración especial de Álex, de Antarctica starts here, otro gran aficionado a los soundtracks.

B.S.O. de "Un pez llamado Wanda" (1989)

De la mente de algunos de los integrantes de Monthy Phyton, como John Cleese o Michael Palin, sólo podía surgir una de las mejores comedias británicas de la historia del cine. “Un pez llamado Wanda”, dirigira por Charles Crichton, le daba un giro divertidísimo al género de los atracadores, y con la oportunidad de ver a una espléndida Jamie Lee Curtis seduciendo a un incauto y flemático abogado (John Cleese), o comprobar el porque Kevin Kline recibió un merecido Oscar como secundario interpretando a un norteamericano todo pasión y egocentrismo, pero de cultura muy… limitada. Además, la guerra (humorísitca) entre estadounidenses y británicos, tirándose los drapitos sucios y sacándose los colores, quedaba servida.
La música fue compuesta por otro colaborador habitual del célebre grupo, John Du Prez, autor de las bandas sonoras para “El sentido de la vida” o la adaptación para Broadway de “Spamalot Monthy Phyton”, nominada a los premios Tony. Para la ocasión, el tema escogido es el final, End titles, que como no podía ser de otra manera, cierra con un tono festivo la película y, como señala Álex, “conjuga todos los matices de la partitura de Du Prez”. (3’17”)

B.S.O. de "Arizona Baby" (1987)

Después de un sonado debut con "Sangre fácil" (1984), los hermanos Coen, Joel y Ethan, probaron fortuna con "Arizona baby" (1987), una comedia irregular, pero con una media hora inicial antológica, dotada con un ritmo tan vibrante como desenfrenado. La pareja protagonista está compuesta por un malhechor (Nicolas Cage) y su media naranja, nada menos que una policia (Holly Hunter), que ante la imposibilidad de tener hijos deciden secuestrar a uno de los quintillizos de un multimillonario.
De la banda sonora se encargó un nombre que luego se haría también insustituible en las películas de los Coen, Carter Burwell. Para la banda sonora utilizó el órgano, los silbidos y sobre todo el banjo, recurriendo a una creación de Pete Seeger que dominaba los temas principales de esta comedia, como demuestra el representativo “Raising ukeleles” (3’ 40”)

Crítica: "Diario de un escándalo"

2007-04-05T06:27:00.000+02:00

Mentes solitarias que se vuelven retorcidas y engañosas por sus frustaciones. Abusos de legalidad o ilegalidad dudosa impulsados por los deseos sexuales a flor de piel. La novela de la escritora y periodista inglesa Zöe Heller contiene un material psicológico y humano tan morboso como jugoso y certero.
Un material que el director de la insulsa, aunque apreciable “Iris”, sabe manejar de la mejor manera posible, y ésta es depositando sabiamente la fuerza de la puesta en escena en manos de sus talentosas actrices. La interpretación de Judi Dench ya no es que sea de Oscar, es para que la Academia le dedique un monumento en el teatro Kodak. Y la australiana Cate Blanchett se consolida aguantando magníficamente los embistes en pantalla de su descomunal oponente, esa inmensa Judi Dench, y ofreciéndonos además otro atributo que desconocía, el de mostrarnos que si lo desea puede ser de lo más cautivadora, sexualmente. Un aspecto sin el que no se entendería ni su personaje ni gran parte de la trama.

La apariencia del abuso.
Richard Eyre ya hizo ganar en “Iris” un Oscar como secundario a Jim Broadbent, inolvidable como el maestro de ceremonias de “Moulin Rouge”, y arrancó otra gran caracterización de la británica Judi Dench. Ahora se supera, y en una película dominada por los carácteres femeninos, logra extraer incluso memorables momentos de los secundarios masculinos, séase quitándole el maquillaje a Bill Nighy (el temible Dave Jones de “Piratas del Caribe 2”); o encarnando a Lolita en el cuerpo y la mirada de un efebo llamado Andrew Simpson, el menor de 15 años que hará caer a su vulnerable profesora (Cate Blanchett), en el pozo de las tentaciones, y de los delitos y faltas.
Pero, ante todo, “Diario de un escándalo” trata sobre apariencias y realidad, sobre psicologías, séase desamparadas o retorcidas. Y lo hace enmarcándose en el ámbito social, público y privado, de un instituto; entre alumnos y profesores, entre presuntos adultos y menores, entre los límites de lo permisible e indecente, para inmiscuirnos en la apariencia de unos abusos, consentidos y buscados unos; invisibles, reprobables y atrapados en la tela de araña de una sibilina amiga otros.

De primera clase.
También nos ubicamos como espectadores privilegiados para derribar la fachada de la convivencia en una vida familiar respetuosa que esconde insatisfacciones, en el personaje de la Blanchett. O para contemplar los horrores más íntimos de una alma en pena solitaria, caso del personaje de la Dench, recluída en un mundo propio que ha degenerado, bajo otra fachada de respetuosidad, distancia y engreimento, en las severas patologías de una mujer insatisfecha y maquiavélica, vencida ya por su egosimo.
Poco les he desvelado sobre su argumento, pero a pesar que ni Richard Eyre ni su guionista, Patrick Marber (“Closer”), sepan rematarlo con un epílogo final a la altura (¡qué difícil es lograr un buen final!), o con alguna pequeña salida de tono en medio de la prensa canallesca en busca de carnaza para su fiera audiencia, nos permite obtener un billete de primera clase para disfrutar de una de las mejores películas del año, aunque sólo sea por el gozo de ver unas espléndidas Judi Dench y Cate Blanchett. Y todo ello punteado con una música de Philip Glass que, mezclada con las imágenes, adquiere una dimensión única y sensacional.

Valoración: ( **** )

(*****) Obra maestra. Disfrute total.
(****) Me ha gustado muchísimo. ¡Una maravilla!

(***) Me ha gustado. Buena película, ¡si señor!
(**) Me ha gustado, pero con reparos.

(*) No me ha gustado, pero tiene sus "cosillas"
(●) No me ha gustado nada, pero si le apetece, usted mism@

Crítica: "Pequeña Miss Sunshine" (DVD)

2007-04-03T01:03:00.001+02:00

¿Acaso no está en la tierra de las oportunidades? ¿Y el éxito y la belleza no es la gran ambición? Así es para la pequeña de siete años Olive (Abigail Breslin), cuyo sueño es el de ganar alguno de los numerosos concursos de belleza que se organizan a lo largo y ancho de los EE.UU. Ella es simpática, no carente de atractivo, pero más bien rolliza y, físicamente, del montón. Y en su meta, arrastrará a toda su variopinta familia.
Subiéndose a la desvencijada furgoneta Wolkswagen amarilla, la no menos apedazada familia Hoover emprendrerá un peculiar viaje que, como en cualquier ‘road movie’ que se precie, será también de iniciación, de autodescubrimiento de cada uno y de final de trayecto para algun otro.
Pero que se puede esperar teniendo como tripulación a un abuelo que esnifa coca (en el rostro del veterano y curtido Alan Arkin), un padre que esconde su mediocridad y fracaso dando lecciones de cómo triunfar en la vida (Greg Kinnear); un tío homosexual que ha intentado sucidarse por culpa de un fracaso amoroso (Steve Carell); un hermano adolescente que se niega a hablar (Paul Dano), y una madre que no tiene más remedio que poner algo de sesantez en una familia tan liada (Toni Collette).

Lo bello y lo feo.
Remolcarlos hasta California para descubrir el valor de ser uno mismo y de saber estar unido a tus seres más próximos en una convivencia no siempre fácil.
Y, por el camino, contar una historia de perdedores, incluso mucho antes de alcanzar la madurez, como ese hermano de 15 años que ha hecho ‘voto de silencio’ y desea ingresar en las fuerzas de aviación; o la misma Olive.
Hasta desgranar, concluído el peregrinaje, una crítica a los concursos de belleza y al sueño americano, ridiculizados en esa escena, que vale toda la película, la de la actuación final de la pequeña Olive ante una escandalizada audiencia. Toda una provocación que sin embargo deja en evidencia como se inculcan y utilizan desde la más tierna infancia, los modelos de culto al cuerpo y de superficiliad.

La sorpresa de la temporada.
Discursos, por otra parte, no especialmente innovadores, ni culminados de manera especialmente arriesgada, pero que nos regala momentos y frases antológicas como la del abuelo Hoover a Olive de: “Un fracasado es alguien que tiene tanto miedo de ganar de verdad que nisiquiera lo intenta.”
Entre la socarronería y el humor negro, esta Miss Sunshine y la extraña familia posee un arranque realmente brillante, para perder gran parte de su fuelle a la media hora. Una irregularidad y un bajón que no remontará hasta las secuencias finales.
Pero una comedia, al fin y al cabo, peculiar dirigida por el (parece que) bien avenido matrimonio compuesto por Jonathan Dayton y Valerie Faris, y que no sólo se convirtió en la sorpresa de los Oscar, sinó también en la producción estadounidense independiente de la pasada temporada, cosechando además millones de simpatizantes.

Valoración: ( *** )

Clásicos: "El tiempo en sus manos" (1960)

2007-03-31T08:42:00.001+02:00

En la fotografía superior tenemos a Rod Taylor montado en una especie de artilugio, mezcla de trineo y jarrón chino, que le permitirá viajar a través del tiempo, hasta el infinito y más allá. La película de 1960 que realizó George Pal es recordada especialmente por una ingeniosa idea visual, la del paso de los años a través de los cambios en la moda femenina que va experimentando el maniquí de un escaparate. Una idea que se le ocurrió a su guionista, David Duncan.

También por materializar esa división de clases entre el mundo de los rubios y felices Eloi con el submundo de los siniestros y deformes morlocks. Desde 1899 hasta el año ¡802.701!, el científico George (Rod Taylor) irá topándose con el devenir de las épocas y guerras en un relato que Herbert George Wells, especulando con la existencia de la cuarta dimensión, sincronizó con su momento, y también se anticipó, con nada disimuladas dosis de moralismo y advertencia. El protagonista, llamado George, en homenaje al novelista, será testigo de las dos guerras mundiales, más otra de nuclear, ficticia y fechada en ¡1966!

Morlocks y elois.
Los despreocupados y hedonistas Eloi serían como los herederos de las clases acomodadas, disfrutando de los placeres de la vida y la naturaleza, sin preocuparse ni mostrar inquietud por nada más, ni por el conocimiento, la superación o ni tan siquiera por mover un dedo para intentar salvar la vida de alguno de sus semejantes. Mientras que los morlock, habitantes del subsuelo, son los descendientes de sirvientes y obreros, dotados de una cierta “tecnología” e inteligencia, pero que no dudan en cebar a los eloi para que puedan servir de provisión para su despensa.
Por lo demás, el tiempo puede jugar buenas o malas pasadas. Aún conservando su encanto, el paso de los años ha dejado huella en la película y, vista hoy, quedan en absoluta evidencia algunas de sus sonrojantes escenas y tratamientos. La historia de amor que George vivirá con Weena (una inexpresivaYvette Mimieux) es tan blanda que debería estar prohibida a mayores de 12 años; o el traje plateado futurista que luce Filby hijo (Alan Young) en una de las escenas, es para partirse de risa.

Sin las horas contadas.
El mismo protagonista, un científico solitario y metido en sus experimentos, demuestra de repente que es un experto luchador y se lía a mamporros con sus enemigos hasta liquidarlos en un santiamén. Y algunos de sus efectos visuales son tan sencillos como colocar un par de bombillas rojas en los ojos de los morlocks, y que se encendían dándole al interruptor que los figurantes tenían en su cinturón. Ello, junto con sus simpáticas maquetas y trucos de efectos visuales no impidieron que ganara el Óscar a los mejores efectos especiales.
Pero la película de George Pal también posee una aureola especial que permite disfrutarla sin prejuicios, haciendo que buena parte de sus imágenes se mantengan en nuestras retinas, y obligándonos a suspender nuestra credulidad hasta lograr pasarle por alto todos estos detallitos.
Además, nos regala esa frase final tan entrañable que pronuncia el personaje de Filby padre (también Alan Young). Cuando la fiel criada de George, Mrs. Watchett (Doris Lloy) le pregunta a Filby si volverán a ver a George, éste responde: “Eso sólo podemos suponerlo. Él tiene… todo el tiempo en sus manos”.

P.D.: Hay otro guiño al autor de la novela. En la máquina del tiempo de la película se puede leer "Manufactured by H.G. Wells". Y les dejo con la música

Valoración: ( *** )

B.S.O.: "El tiempo en sus manos" (1960)

2007-03-31T08:38:00.000+02:00

B.S.O. de Russell García
( Pueden escuchar el tema en la barra lateral o pinchando en el enlace con la duración )

George Pal, junto a Byron Haskin, se esforzó durante la década de los cincuenta y sesenta por realizar ciencia-ficción de un cierto presupuesto y que trascendiera la serie “B”. “El tiempo en sus manos” (1960) es su título más notable. También fue guionista, fotógrafo y productor, por ejemplo, de “La guerra de los mundos” que Byron Haskin dirigió en 1953.
Para la música, el elegido fue un compositor no especialmente conocido en Hollywood, el californiano Russell García, que elaboró una partitura al más clásico y puro estilo de la época, y donde destacaban los compases que recordaban a relojes y el paso del tiempo. De hecho, escuchar su tema principal es como viajar en el tiempo, retrocediendo varias décadas atrás (1’ 58”)